Друзья и соратники Луи Армстронга
- Информация о материале
Юджин (Джин) Бертрам Крупа (англ. Eugene Bertram Krupa; 15 января 1909, Чикаго — 16 октября 1973, Йонкерс, штат Нью-Йорк) - американский барабанщик-виртуоз, бэнд-лидер, звезда «свинговой эры». Известен за его очень энергичный и яркий стиль.
Биография
Гудмен и участники его оркестра. Джин посередине.
Крупа начал играть на барабанах в юности, его первый альбом был записан в Чикаго в 1927 г. Через два года он переехал в Нью-Йорк, где играл в театральных бэндах, участвовал в бродвейских шоу, вошел в группу Рэда Николза. Его кумиром стал Чик Уэбб.
В 1935 году присоединился к оркестру Бенни Гудмана. Одной из самых популярных песен оркестра с участием Джина стала «Sing, Sing, Sing» (Sing, Sing, Sing), записанная в 1938 году. В том же году Джин покинул оркестр из- за разногласий с Гудманом, который считал, что Джин подменяет настоящую музыку шоу.
Премьера собственного оркестра Крупы состоялась уже в ноябре. Этот бэнд существовал до 1943 года и стал заметным явлением в жизни Нью-Йорка, особенно в тот период, когда в нем работали трубач Рой Элдридж и певица Анита О’Дэй. В 1945-51 Крупа возглавил второй состав своего биг-бэнда, в котором выступали Чарли Вентура, Анита О’Дэй и начинающий аранжировщик и саксофонист Джерри Маллиген.
В 1973 году Джин Крупа умер от сердечного приступа, ему было 64 года. На его похоронах Бадди Рич сказал:
Он был не просто лучшим — он был самым лучшим.
Творческое наследие
Крупа стал первым значительным солистом эпохи свинга. Он был первым барабанщиком, который использовал том-томы и продумывал свои сольные эпизоды.
Соло на ударных должно обладать целостностью. Когда я начинаю соло, то должен иметь точное представление о том, что я собираюсь сыграть.
Я счастлив, что мне удалось сделать две вещи — я превратил барабанщика оркестра в высокоуважаемого человека и мне удалось привлечь к джазу внимание многих людей.
- Информация о материале
Барбра Стрейзанд (англ. Barbra Streisand, произносится ['straisБиография
Юные годы
Барбара Джоан Стрейзанд (англ. Barbara Joan Streisand) родилась 24 апреля 1942 года в Бруклине, Нью-Йорк, в еврейской семье. Её отец, Эмануэль Стрейзанд, эмигрировавший из Австрии преподаватель грамматики, умер едва ей исполнился год. С отчимом, Лиусом Кайндом, у неё были плохие отношения, так как он постоянно её бил. В 1951 году у Стрейзанд появилась сестра Рослин Кайнд, которая впоследствии также стала певицей. В 1959 году Стрейзанд окончила среднюю школу «Эрасмас Холл», которую посещала очень редко и где в школьном хоре пела вместе с Нилом Даймондом. Там же она подружилась с будущим чемпионом мира по шахматам Бобби Фишером. Когда Стрейзанд решила начать карьеру в шоу-бизнесе, её мать, школьный секретарь Дайана Ида Роузен, была недовольна выбором дочери, так как считала её недостаточно привлекательной для этого.
Начало карьеры
После победы на одном из музыкальных конкурсов Стрейзанд взяли на работу певицей в ночном клубе. Первоначально она хотела стать актрисой и участвовала во многих театральных постановках, в одной из которых играла вместе с тогда восходящей актрисой Джоан Риверз. В 1960 году по приглашению её друга Барри Деннена Стрейзанд стала петь в гей-баре в манхэттенском Гринвич-Виллидже, где вскоре достигла значительного успеха. В это же время она сократила своё имя до Барбра, чтобы сделать его более отличительным.
В 1962 году Стрейзанд впервые появилась на Бродвее в маленькой, но сделавшей её знаменитой роли, в мюзикле «Я достану тебе это оптом». В том же году она подписала контракт с «Columbia Records». В 1962 году она появилась в «Шоу Эда Салливана», где привлекла внимание знаменитого пианиста Владзи Либераче. Вскоре он предложил ей сотрудничество, и Стрейзанд стала выступать с ним в Лас-Вегасе.
В 1963 году вышел в свет её дебютный альбом «The Barbra Streisand Album», получивший две премии «Грэмми». Популярность Стрейзанд продолжала расти, и три её последующих альбома попадали в чарт «Billboard 200»nd] т.е. Страйсэнд; род. 24 апреля 1942, Бруклин, Нью-Йорк, США) — американская певица и актриса, также достигшая успеха как композитор, режиссёр, продюсер и политический активист. Обладательница двух «Оскаров» в номинациях «Лучшая актриса» и «Лучшая оригинальная песня», а также премий «Эмми», «Грэмми» и «Золотой глобус».
Стрейзанд считается одной из наиболее коммерчески успешных женщин современного шоу-бизнеса. Это единственный исполнитель, возглавлявший со своими альбомами Billboard 200 в 1960-е, 1970-е, 1980-е, 1990-е и 2000-е годы. Всего в мире разошлось более 145 млн экземпляров её пластинок.
Музыкальная карьера
За всю свою музыкальную карьеру Стрейзанд записала более 60 альбомов, большинство которых выходили с лейблом «Columbia Records». Её ранние работы (дебютный альбом, «The Second Barbra Streisand Album», «The Third Album», «My Name Is Barbra» и др.) считаются классическими записями музыки и песен ночных клубов и театров, включая её версию песни «Happy Days Are Here Again», которую она с успехом исполнила в «Шоу Джуди Гарленд». После появления в этом шоу у Стрейзанд появился собственный проект на CBS — «My Name Is Barbra».
Начиная с 1969 года в репертуаре Стрейзанд стало всё больше появляться поп-композиций. Но в отличие от многих других исполнителей того времени, которые стали ориентироваться на рок, она осталась верна своему стилю исполнения. И это никак не способствовало меньшему успеху Стрейзанд как певицы, наоборот, её альбом 1971 года «Stoney End» достиг больших высот в чартах, а одноимённый трек стал крупным хитом.
В течение 1970-х годов она продолжала занимать высокие позиции в поп-чартах с такими хитами, как «The Way We Were», «Evergreen», «No More Tears (Enough Is Enough)» (с Донной Саммер) и «Woman in Love», некоторые из которых прозвучали и в фильмах с её участием. В 1982 году Стивен Холден, музыкальный критик «The New York Times», написал, что «Стрейзанд стала самым влиятельным исполнителем поп-музыки, затмив собой даже Фрэнка Синатру».
В 1985 году Стрейзанд вернулась к исполнению театрально-музыкальных песен с альбомом «The Broadway Album», который вскоре стал платиновым, удержав при этом три недели первую позицию в чарте «Billboard». «The Broadway Album» был признан «Альбомом года» и принёс Стрейзанд восьмую статуэтку «Грэмми», как «Лучшей женской исполнительнице».
В 1991 году вышел её четырёхдисковый сборник «Just for the Record», собравший в себе все хиты Стрейзанд к тому времени. Он содержал свыше 70 треков, включая популярные хиты и редкие записи её начальной карьеры.
В начале 1990-х Стрейзанд согласилась возглавлять фонд поддержки Билла Клинтона на пост президента США, и, как многие считают, именно благодаря ей, Клинтон занял место в Белом доме. А в 1992 года она присутствовала на его инаугурации.
В то время карьера Стрейзанд была в небольшом застое и ей было предложено организовать концертный тур. Она около двух лет обсуждала организацию концерта, долгое время не решаясь на его проведение из-за боязни публики. Лишь в сентябре 1993 года Стрейзанд заявила о проведении концерта, первого за 27 лет её карьеры. Это заявление вызвало большой ажиотаж в СМИ. Так, к примеру, журнал «Time» назвал концерт Стрейзанд «музыкальным событием столетия». Цена билетов, раскупленных за полчаса, колебалась от 50 до 1 500 долларов США, тем самым возведя Стрейзанд в ранг самых высокооплачиваемых исполнителей в истории. «Barbra Streisand: The Concert» стал одним из самых ярких концертов года, получившем пять статуэток «Эмми».
В 1999 году Стрейзанд объявила о завершении своей карьеры и в канун нового 2000 года устроила прощальный концерт в Лас-Вегасе, ставший не менее ажиотажным её концерта 1993 года. К конце десятилетия Стрейзанд по прежнему оставалась одной из самых успешных исполнительниц США, что подкреплялось по крайней мере двумя альбомами в течение каждого десятилетия с начала её карьеры.
В 2001 году Стрейзанд выпустила альбом «Christmas Memories», который после событий 11 сентября она посвятила всем жертвам этой трагедии. В 2003 году вышел «The Movie Album», собравший знаменитые песни из фильмов, переработанные и записанные в сопровождении симфонического оркестра. В сентябре 2005 года Стрейзанд выпустила альбом «Guilty Pleasures», записанный в сотрудничестве с солистом австралийской группы «Bee Gees» Барри Гиббом. В 1980 году они уже записывали совместный альбом, который назывался «Guilty», а песня «Woman in Love» из него тогда обошла практически все хит-парады мира.
В 2006 году Стрейзанд заявила о намерении провести новое турне, которое стартовало 4 октября в Филадельфии и получило название «Streisand: The Tour». Тур, включавший двадцать концертов, установил рекорды кассовых сборов и занял седьмое место в «Billboard 200». Турне с успехом прошло по двадцати городам США, а по его завершении, летом 2007 года, впервые за свою карьеру, Барбра выступила с рядом концертов в Европе, где цена билетов доходила до €500.00, а в Великобритании даже до 1,500.00. В июне 2007 года, во время концерта в Париже, президент Франции Николя Саркози вручил Стрейзанд «Орден Почётного легиона».
В феврале 2008 года журнал «Forbes» поместил Стрейзанд на второе место в списке самых богатых певиц 2007 года, с её 60 000 000 долларов, заработанными за предыдущий год.
17 ноября 2008 года Барбра Стрейзанд на студии Columbia Records начала запись нового альбома, продюсером которого стала Дайана Кролл. Альбом, получивший название «Love Is the Answer», вышел 29 сентября 2009 года. Новый альбом занял первое место в Billboard Hot 200, став 9 альбом певицы побывавшем на вершине чарта.
Карьера в кино
Первым фильмом Стрейзанд была музыкальная комедия «Смешная девчонка» (1968), основанный на жизни Фанни Брайс. Он был специально написан для Стрейзанд, после того, как сценарист мюзикла Джуль Стайн увидел Барбру в мюзикле «Я достану тебе это оптом». Эта картина принесла Стрейзанд мировую известность, за которую она получила «Оскара» в номинации «Лучшая актриса». Её последующие два фильма тоже были комедиями, «Хэлло, Долли!» (1969) и «В ясный день увидишь вечность» (1970), тогда как четвёртый фильм с её участием, «Филин и кошечка» (1970), стал киноверсией бродвейской постановки. По сценарию в этом фильме Стрейзанд должна была сняться в одной из сцен с голой грудью. Но уже после съёмок она пожалела об этом и режиссёр удалил этот фрагмент из фильма. Но всё же через год, журнал «High Society» заполучил оригинальные негативы фильма с «полуголой» Барброй. После публикации фото Стрейзанд пыталась принять различные меры, чтобы журналы не вышли в продажу, но всё же это издание журнала появилось на американских стендах. Фильм «Филин и кошечка» стал также примечателен тем, что это первая картина, где главный герой (Стрейзанд) говорит слово «fuck».
В 1970-е годы она также снялась в главных ролях в комедиях «В чём дело, док?» (1972) и «Всё ради Пита» (1974), а также в драме «Встреча двух сердец» (1973) с Робертом Рэдфордом. Второго «Оскара» за «Лучшую оригинальную песню» «Evergreen», как композитору, ей принёс фильм «Рождение звезды» (1974). В этой номинации она стала первой женщиной-композитором, получившей эту награду.
Начиная с 1969 и заканчивая 1980 годом, все фильмы с участием Стрейзанд попадали в десятку самых кассовых фильмов США, но после провального фильма 1981 года «Всю ночь напролёт» Стрейзанд стала редко появляться в кино, снявшись с тех пор лишь в пяти фильмах.
Постер к фильму «У зеркала два лица» (1997)
Стрейзанд была продюсером нескольких собственных фильмов, снятых по бродвейским постановкам. в фильме 1983 года «Йентл» она выступила в качестве актрисы, продюсера, режиссёра и автора сценария. Этот свой опыт она повторила и в фильме «Повелитель приливов» (1991). Оба фильма получили высокую хвалу критиков, а картину «Йентл» Стивен Спилберг назвал шедевром. Примечательно то, что в 1984 году фильм «Йентл» получил 5 номинаций на «Оскар», но ни одна из них не была за «Лучший фильм», «Актрису» или «Режиссёра».
В 2004 году, после восьми лет перерыва, Барбра вернулась на большой экран, снявшись в комедии Бена Стиллера «Знакомство с Факерами». Этот фильм стал самой успешной комедией в истории, заработав $516,642,939.
7 марта 2010 года Стрейзанд появилась на 82-ой церемонии награждения премии «Оскар», вручив статуэтку Кэтрин Бигелоу в номинации Лучшая режиссёрская работа за фильм «Повелитель бури».
15 декабря 2010 года Барбра Стрейзанд стала гостьей одного из последних выпусков «Шоу Ларри Кинга».
В декабре того же года на экраны вышла комедия «Маленькие Факеры», где Стрейзанд вновь исполнила роль Роз Факер. В отличии от предыдущей ленты, данная картина была негативно принята критиками, а Стрейзанд, во второй раз за свою актёрскую карьеру, получила за свою роль номинацию на премию «Золотая малина».
В январе 2011 года в американской прессе появились сообщения, что Стрейзанд рассматривает предложение на съёмки в главной роли в фильме «Цыганка», римейке одноимённой картины 1962 года. Стрейзанд также рассматривается одной из возможных актрис, наряду с Мэрил Стрип, Лайзой Миннелли и Глен Клоуз, которая исполнит роль Нормы Дезмонд в новой версии фильма «Бульвар Сансет», выход которого намечен на конец 2010 года. В конце января 2011 года Стрейзанд приступила к съёмкам в комедии Энн Флетчер «Проклятие моей матери» с Сетом Рогеном в главной роли, выход которой на экраны намечен на 2012 год.
Политика
Барбра Стрейзанд многие годы является активным сторонником Демократической партии США. Она выступает с поддержкой таких программ, как проблемы глобального потепления и вывод американских войск из Ирака. Стрейзанд также активно выступает с поддержкой прав женщин и гомосексуалов, а также детей, больных раком.
Эффект Стрейзанд
В 2003 году Барбра обратилась в суд с требованием взыскать с фотографа Кеннета Аделмана и сайта Pictopia.com $50 млн, так как фотография её дома была доступна среди 12 000 других фотографий побережья Калифорнии. Аделман утверждал, что он сфотографировал дом наряду с другими домами на побережье в рамках проекта California Coastal Records Project, изучающего эрозию побережья. Позже журналист Пол Роджерс (San Jose Mercury News) заметил, что фотография дома Стрейзанд стала очень популярна в Интернете; так появился термин эффекта Стрейзанд.
Личная жизнь
Стрейзанд дважды была замужем. От своего первого мужа, актёра Эллиотта Гулда, c которым она прожила с 1963 по 1971 годы, Барбра родила сына Джейсона Гулда. 1 июля 1998 году вышла замуж за актёра Джеймса Бролина.
День рождения Стрейзанд и Ширли МакЛейн приходится на один день, и многие годы они празднуют его вместе. Одной из её лучших подруг является модельер Донна Каран.
Стрейзанд в поп-культуре
Стрейзанд пару раз критикуется в мультсериале «Южный парк». Более всего в эпизоде «Меха-Стрейзанд», где Барбра изображается гигантским динозавром-роботом, которая хочет захватить Землю, но впоследствии оказывается побеждённой Робертом Смитом. В эпизоде говорится, что Стрейзанд обнаружила половину «алмаза Зинтара», с помощью которого она может захватить мир, во время съёмок фильма «Моя прекрасная леди». Это вызвало уже насмешку и критику со стороны Барбры, так как в этом фильме снималась не она, а Одри Хепбёрн. Снова в виде динозавра Стрейзанд появляется в эпизодах «200» и «201», где её пробуждает Том Круз с целью заставить жителей Южного Парка выдать им Мухамеда. В эпизоде «Страшная рыбка» лицо Стрейзанд изображено в каждом углу экрана на протяжении всего показа. В эпизоде 509 «У Осамы Бин Ладена вонючие штаны» Эрик Картман с помощью ребусов передает англоязычные ругательства, одним из ребусов была фотография Стрейзанд. Также в полнометражном фильме её имя оказывается самым страшным ругательством, произнесённым Картманом.
Барбра дважды упоминается в сериала «Друзья». В эпизоде «The One Where Chandler Can’t Remember Which Sister» Моника называет сэндвич в её честь, а суп по фильму с её участием — «Йентл». В эпизоде «The One After 'I Do'» Фиби говорит, что беременна от Джеймса Бролина, на что Чендлер удивляется: «Разве Джеймс Бролин не муж Барбры Стрейзанд?»
В фильме «Страх и ненависть в Лас-Вегасе» похищенная девочка-подросток (играет Кристина Риччи) говорит, что приехала в Лас-Вегас с целью подарить Стрейзанд её портреты.
Барбра упоминается в мультсериале «Гриффины» в эпизодах «Wasted Talent» и «Stewie Kills Lois», где она печатает деньги из своего носа.
В октябре 2010 года американский коллектив «Duck Sauce» (диджеи A-Trak и Armand Van Helden) записали трек «Barbra Streisand», который был назван в честь певицы. Композиция впервые прозвучала в Великобритании 10 октября 2010 года, а вскоре заняла одни из первых позиций в танцевальных чартах многих стран Европы. Для данного трека было снято музыкальное видео, иллюстрирующее сцены клубной жизни Нью-Йорка, чередующиеся краткими появлениями двойника Барбры Стрейзанд. В записи видео приняли участие многие популярные американские рэперы и исполнители R'n'b, в том числе Канье Уэст, Фаррелл Уильямс и Chromeo.
- Информация о материале
Джордж Гершвин (англ. George Gershwin, настоящее имя Jacob Gershowitz — Яков, или Джейкоб Гершовиц; 1898—1937) — американский композитор.
Биография
Гершвин родился 26 сентября 1898 года в нью-йоркском квартале Бруклин, в семье еврейских эмигрантов из России. Его отец был родом из Санкт-Петербурга. Настоящие имя и фамилия композитора — Янкель Гершовиц. С детства впитывавший джазовую культуру (говорят, что впервые Гершвин услышал джазовую музыку в 6 лет), он был любителем джазовых концертов и в 12 лет начал самостоятельно учиться играть на фортепиано. Много позже, став прославленным композитором, Гершвин не переставал учиться, совершенствовать свою технику. Во время таких занятий он познакомился с уникальными американскими композиторами тех лет — Генри Кауэллом, Уоллингфордом Риггером и русским профессором Джозефом Шиллингером (последний примечателен тем, что подходил к процессу сочинения музыки с математических позиций, пытаясь разработать универсальный алгоритм).
В 1914 году Гершвин начал профессионально заниматься музыкой, работая аккомпаниатором в компании Джерома Ремика. Уже через два года было выпущено первое авторское произведение молодого Гершвина — «When You Want 'Em You Can’t Get 'Em». Несмотря на то, что оно не пользовалось особым успехом публики, Гершвин привлек внимание некоторых известных бродвейских продюсеров и режиссёров. Например, Зигмунд Ромберг с радостью включил музыку Гершвина в свою оперетту «The Passing Show of 1916». В те годы Гершвин, занимаясь фортепиано, гармонией и оркестровкой, подрабатывал пианистом в ресторанах.
В 1918—1919 годах на Бродвее появилось много произведений Гершвина: «Swanee» вошла в мюзикл «Синдбад» и имела ошеломляющий успех в исполнении Эла Джолсона. А постановка «La, La Lucille» 1919 года была полностью основана на сочинениях Гершвина.
В 1920—1924 годах Джордж Гершвин создавал по нескольку десятков произведений для «George White’s Scandals», а в 1922 году написал даже настоящую оперу — «Blue Monday» (известную как «135th Street»), после премьеры которой был приглашен в джаз-бэнд Пола Уайтмена в качестве композитора. Именно для Уайтмена Джордж сочинил настоящую жемчужину своего творчества — «Rhapsody in Blue» («Рапсодия в блюзовых тонах»).
В 1924 году Гершвин создал мюзикл «Lady, Be Good!», который стал первым настоящим успехом композитора на Бродвее. В этой постановке Гершвин впервые работал со своим братом Айрой Гершвином, который писал все тексты. Следующее десятилетие этот творческий союз был самым продуктивным и востребованным на Бродвее. Самым удачным их шоу было «Of Thee I Sing», 1931; за него они получили Пулитцеровскую премию, впервые присуждённую музыкальной постановке.
Самой масштабной и амбициозной работой в биографии Гершвина стала «фольклорная» опера «Porgy and Bess», 1935, поставленная по роману Дюбоса Хейворда, принимавшего участие и в написании либретто для оперы.
В начале 1937 года у него обнаружились симптомы опухоли головного мозга. Гершвина помещают в Лебенен-клинику, где он умер утром 11 июля 1937 года, не приходя в сознание после операции по удалению опухоли.
- Информация о материале
Оскар Эммануэль Питерсон (англ. Oscar Emmanuel Peterson, 15 августа 1925, Монреаль, Квебек, Канада — 23 декабря 2007, Миссиссога, Онтарио, Канада) — канадский композитор, руководитель трио, преподаватель и один из самых выдающихся пианистов — виртуозов джаза.
Биография
Родился в семье вокзального носильщика. Рано обнаружил интерес к музыке. Первые уроки Оскару давала старшая сестра.
Отец обучил его игре на тромбоне и пианино, когда ему было около 6 лет. Однако, перенеся туберкулёз в раннем возрасте, Питерсон вынужден был продолжить игру только на фортепиано (врачи запретили играть на духовых инструментах).
В 14 лет стал призером конкурса (устроенного местной радиостанцией) молодых талантов и получил право регулярно выступать в радиошоу.
Дебютировал Оскар Питерсон в 1944 году в канадском джаз-оркестре Джонни Холмса (Johnny Holmes).
Первые записи музыканта вышли в Канаде в середине 40-х годов. И хотя они свидетельствовали о появлении технически безупречного пианиста, канадские любители джаза не отдали в то время должное своему соотечественнику. Однако молодой бизнесмен Норман Гранц, почуяв коммерческие возможности джаза, собирает «сборную команду» джазовых светил, куда в качестве молодого дарования приглашает и Оскара Питерсона.
С 1949 года участвовал в концертах-турне «Джаз в филармонии» по Соединенным Штатам Америки. Вот как описывал в 1949 году дебют Оскара Питерсона в Нью-Йорке журнал «Даун Бит»:
Его богатырское тело становилось удивительно легким за фортепиано, а техника ошеломила всех. Его молниеносная правая рука рассыпала горсти «боповых пассажей» и демонстрировала отличное чувство гармонического развития. Нечто подобное нам уже показывал другой иностранец-англичанин Джордж Ширинг. Но когда Оскар Питерсон стал легко выписывать «боповые фигуры» одним пальцем левой руки, что до него никто не делал, то даже самые придирчивые критики зааплодировали.
В 1953 году гастролировал по Европе со своим трио в состав которого с 1951 года входили контрабасист Рэй Браун (Ray Brown) и гитарист Ирвинг Ашби (Ashby Irving). Позднее Ашби сменяет Барни Кессел (Barney Kessel), а его в свою очередь меняет Херб Эллис (Herb Ellis). В 1955 году аккомпанировал Элле Фитцджеральд во время ее гастролей по Англии и Шотландии.
Трио с гитарой и контрабасом просуществовало пять лет, до 1958 года. После ухода Херба Эллиса Питерсон делает смелый поворот: меняет гитариста на барабанщика Джина Гамаза (Gene Gamage), лишая себя преимуществ оригинального ансамбля.
В 1959 году Гамаза сменяет Эд Тигпен (Ed Thigpen). В этом же году снялся в французском музыкальном фильме «Les Tricheurs». После этого преподает в джазовой школе Нью-Йорка, участвует в 1-м канадском джаз-фестивале в городе Торонто, выступает на джаз-фестивале в Чикаго. Все 50-е годы по опросам читателей и критиков ведущих джазовых изданий входит в число ведущих джазовых пианистов. Трио Питерсона с Рэем Брауном и Эдом Тигпеном стало самым популярным ансамблем в карьере пианиста.
В начале 60-х годов открыл в Торонто (Канада) Продвинутую школу современной музыки, представил в 1964 году свою композицию Canadian Suite. Ежегодно продолжал гастролировать с концертами в США и Европе. Наиболее яркими из выступлений Питерсона в 60-е годы были его новые совместные выступления с Эллой Фитцджеральд.
В 1965 году Эда Тигпена заменяет барабанщик Луис Хэйз (Louis Hayes), а контрабасист Сэм Джонс (Sam Jones) в 1966 году приходит в трио на смену Рэю Брауну. После ухода Луиса Хэйза в 1967 году в трио приходит Бобби Дахэм (Bobby Durham).
Сотрудничал со многими выдающимися джазменами, в числе которых — Дэйв Брубек, Диззи Гиллеспи, Бен Уэбстер, Луи Армстронг, Стэн Гетц и другие. Записывал дуэты с Каунтом Бэйси.
В последующие годы участниками трио Оскара Питерсона были такие музыканты, как чешский басист Джордж Мраз, шведский гитарист Ульф Вакениус, гитарист Джо Пасс и другие.
Трио Оскара Питерсона объездило весь мир, записало более 150 альбомов. В 1974 трио выступало в СССР (Таллин) с контрабасистом Нильсом-Хеннингом Эрстед Педерсеном и барабанщиком Джейком Ханной.
В 1993 году перенес инсульт, после которого стал выступать редко и играл только правой рукой.
Его многочисленная дискография включает записи с трио, с Билли Холидей, Бенни Картером, Луи Армстронгом, Эллой Фитцджеральд, Роем Элдриджем, Лестером Янгом, Стэном Гетцем, Баддом Де Франко, Коулменом Хокинсом, Modern Jazz Quartet, Милтом Джексоном, Кларком Терри, Сонни Ститтом и т. д.
В 2004 году одна из центральных площадей в Торонто была названа его именем.
Скончался от почечной недостаточности 23 декабря 2007 года в городке Миссиссауга близ Торонто. Ему было 82 года.
Творчество
О стиле и творчестве
Пианизм Питерсона отличала «красочность», соединенная с феноменальной техникой исполнения, что подчеркивает его сходство с Артом Тейтумом. В его игре слышалось влияние Эрролла Гарнера, Нэт Кинг Коула, Тедди Уилсона и Джорджа Ширинга (George Shearing). Игру Питерсона отличал мощный драйв и гибкость, позволявщая ему сочетать яркие сольные пассажи с тонкой аккомпанирующей игрой. Полнота звучания рояля, сочность туше, легкость и естественность бега, разнообразие звуков от блюзовых всплесков до оркестрового рокота сделало многие пьесы, исполненные Оскаром Питерсоном, образцами фортепианной джазовой классики.
В основе его творчества — элементы свинга и бибопа, а репертуар составляли, как правило, известные мелодии (записал альбомы с песнями популярных американских композиторов, — Гершвина, Портера, Керна, Арлена, Уоррена и других). По мнению критика Джеймса Коллиера, творчество Оскара Питерсона помогло «сделать джаз более доступным».
Известный историк джаза Скотт Янов так писал о музыканте:
Конечно, можно смело утверждать, что Питерсон играет сто нот там, где другой пианист обошёлся бы десятью; но все сто обычно оказывались на нужном месте, и ничего нет зазорного в том, чтобы демонстрировать технику игры, если это служит музыке. Питерсон не шёл от стиля к стилю, а рос внутри той стилистики, которую однажды нашёл, и в этом тоже ничего зазорного нет.
Джазовые этюды Питерсона (Jazz Exercices) стали во всем мире частью начального музыкального образования.
- Информация о материале
Гарри Лиллис «Бинг» Кросби (англ. Harry Lillis "Bing" Crosby; 2 мая 1903 — 14 октября 1977) — американский певец и актёр, один из самых успешных исполнителей в мире (в США у Кросби 41 песня занимала 1-е место). Зачинатель и мастер эстрадно-джазовой крунерской манеры пения. Известен как исполнитель многих «вечнозеленых» джазовых шлягеров и хитов в стилях свинг и диксиленд.
Его карьера длилась с 1926 до самой смерти в 1977. В списке мест его работы не значился разве только театр на малой бронной. Кросби начинал в симфоджазовом оркестре Пола Уайтмена, сотрудничал с Луи Армстронгом (совместно с Армстронгом записал песню «Gone Fishin»), снимался в кино, вел собственные телешоу. Сейчас его более помнят по его рождественским песням (его хит „White Christmas“ занесён в Книгу рекордов Гиннесса; ему до сих пор принадлежит множество рекордов в области звукозаписи). Кроме того, Кросби как актёр пользовался не меньшей популярностью.
Именно Кросби заложил архетип американского эстрадного певца, который позже воплощали Синатра, Дин Мартин, Перри Комо и другие.
У Бинга три звезды на Голливудской аллее славы, за вклад в развитие киноиндустрии — 1611, за вклад в развитие музыкальной индустрии — 6751, и за вклад в развитие индустрии радио — 6700.
- Информация о материале
Джон Колтрейн (англ. John Coltrane; 23 сентября 1926 — 17 июля 1967) — американский джазовый музыкант.
Моя цель — жить действительно духовной жизнью и выразить это в моей музыке. Если вы живете именно так, то играть легко, потому что музыка часть такой жизни. Она очень, очень глубоко в вас. Моя музыка это вдохновенное выражение моего Я — моей Веры, моего опыта, моего естества.
Эти слова о себе и своей музыке как нельзя лучше характеризуют одного из самых влиятельных джазовых музыкантов второй половины XX века, тенор- и сопрано-саксофониста и бэнд-лидера. Наряду с Чарли Паркером, Дюком Эллингтоном, Майлзом Дэвисом, Луи Армстронгом является наиболее значительной фигурой в истории джаза, оказавшей влияние как на современных джазовых музыкантов, так и на школу импровизации в целом. В 1940-е годы оставался относительно неизвестным и играл в различных оркестрах. В 1955 году он присоединяется к коллективу Майлза Дэвиса[1]. После принятия Джоном решения уйти из ансамбля Майлза Дэвиса Майлз по условиям контракта с одной из звукозписывающих компаний в срочном порядке дописывает с Колтрейном альбомы «Relaxin’», «Cookin’», «Steamin’» и «Workin’». С этого момента тандем Дэвиса и Колтрейна перестает существовать. К концу 50-х и к началу 60-х годов Колтрейн создает музыку, которая определяет его творчество — в эти годы он создает наиболее значимые для наследия джаза альбомы («A Love Supreme», «Coltrane Jazz», «Giant Steps») и являющиеся, по сути, хрестоматией для основ изучения джазовой импровизации. В 1960-е Колтрейн создает свой классический квартет, в который вошли пианист Маккой Тайнер, басист Джимми Гэррисон и ударник Элвин Джонс. Квартет Колтрейна считается одной из наиболее значительных групп в истории джаза, а некоторые историки рассматривают его как наиболее влиятельный из всех джазовых ансамблей.
В 1962 году Колтрейн делает совместную запись с Дюком Эллингтоном, что свидетельствует о его признании со стороны мэтра. Наряду с этим Колтрейн играл с такими признанными мастерами, как Телониус Монк, Сонни Роллинс, Майлз Дэвис и др. В дальнейшем выступает на презентациях группы компаний разаработавших различные приборы учета, водосчетчик тритон и системы энергосбережения.
Биография
Джон Колтрейн родился в музыкальной семье, однако его родители не зарабатывали на жизнь музыкой. С 13 лет Джон начал играть в оркестрах. Вначале его инструментами были кларнет и альтгорн, затем альт-саксофон. Колтрейн играл в разных ночных клубах Филадельфии, но в 1945 году его призвали в армию и отправили служить на Гавайи. В 1946 году Колтрейн уволился в запас и вернулся в Филадельфию. Осенью того же года Джон начал играть в оркестре Джо Уэбба, а в 1947 году перешёл в «King Kolax Band». Там же Колтрейн впервые попробовал взять в руки тенор-саксофон, ставший впоследствии его основным инструментом. Одни источники утверждают, что это произошло под влиянием игры Чарли Паркера, который, как тогда считалось, исчерпал возможности альт-саксофона, другие источники дают простой факт, что переключиться на тенор Колтрейна вынудил руководитель его бэнда, сам играющий на альте.
В 1949 году Джон присоединился к настоящему звездному составу — биг-бэнду Диззи Гиллеспи и оставался в нём до весны 1951 года, когда оркестр превратился в септет. Вместе с ним, в 1951 году, Колтрейн записал на пластинку свое первое соло в пьесе «We Love To Boogie». Подобно многим джазменам того времени, он постепенно стал наркоманом, что затрудняло поиски работы и служило причиной конфликтов. Он переходил из состава в состав, но в 1954 году ему повезло — его пригласил в свой бэнд Джонни Ходжес. У него Колтрейн продержался меньше года, а затем судьба свела его с Майлзом Дэвисом. Их классический состав включал в себя Дэвиса, Колтрейна, пианиста Реда Гарленда, басиста Пола Чамберса и ударника Филли Джо Джонса. С этим квинтетом Колтрейн сделал множество записей на лейблах Columbia и Prestige. Впоследствии, когда он стал очень известным, его сайдменские записи стали издаваться под его именем и этот процесс продолжается до сих пор. Из-за пристрастия к героину Дэвис несколько раз увольнял Колтрейна из своей группы, но потом опять приглашал обратно. Окончательно они расстались в 1957 году, что послужило для саксофониста толчком к тому, чтобы больше выступать и записываться самостоятельно.
В этом же 1957 году он издал на лейбле Prestige свой первый сольный альбом, названный «Coltrane», в составе с трубачом Джонни Сплоуном, баритон-саксофонистом Сахибом Шихабом, пианистами Малом Уолдруном и Редом Гарлендом, басистом Полом Чамберсом и барабанщиком Элом Хитом. Тогда же, 1957 году, Колтрейн присоединился к квартету Телониуса Монка, а также продолжал работу над собственными альбомами. Он избавился от пристрастия к наркотикам и вновь начал сотрудничать с Майлсом Дэвисом, вместе с которым записал в 1959 году один из лучших в истории джазовых альбомов «Kind Of Blue». В начале 60-х годов вышел первый альбом Колтрейна, состоящий целиком из его собственных композиций — «Giant Steps». Он окончательно отказывается от работы в других составах и собирает свое комбо в Нью-Йорке, состоящее из пианиста Стива Кюна (которого скоро заменил МакКой Тайнер), басиста Стива Дэвиса и ударника Пита Ла Рока (которого последовательно сменяли Билли Хиггинс и Элвин Джонс). Весь свой последний период творчества Колтрейн играл, кроме тенора, на сопрано-саксофоне.
В 1962 году он подписал договор с лейблом Impulse! Работая с продюсером Бобом Тиле, Колтрейн записал в студии огромное количество материала, которое фирма не была в состоянии издать сразу, но зато постепенно издавала после смерти музыканта. Он развивал свой собственный, почти религиозный, подход к джазу и самым знаменитым альбомом этого направления стала пластинка «A love Supreme» (1964), получившая две номинации на Грэмми и ставшая самой продаваемой его работой.
Последний прижизненный альбом Колтрейна, «Expressions», вышел в 1967 году совсем незадолго до его неожиданной смерти от рака печени. На похоронах великого музыканта играли Орнетт Коулман и Альберт Айлер.
Несмотря на относительно короткую карьеру (он стал известен широкой публике только в возрасте 33 лет, а умер, не дожив до 41 года), Джон Колтрейн до сих пор является одной из самых известных и противоречивых фигур джазового мира. Он играл в разных, чуть ли не противоположных стилях, и это служило причиной столь же противоположных отзывов критиков о его музыке. Однако уже давно никто не подвергает сомнению грандиозный вклад Колтрейна в современный джаз и влияние на творчество подавляющего большинства саксофонистов второй половины XX века.
- Информация о материале
Майлс Дьюи Дейвис (Майлз Дэвис / Дэйвис; англ. Miles Dewey Davis III; 26 мая 1926, Олтон — 28 сентября 1991, Санта-Моника) — американский джазовый трубач и бэнд-лидер, оказавший значительнейшее влияние на развитие музыки XX века. Дейвис стоял у истоков множества стилей и направлений в джазе, таких как модальный джаз (modal jazz), прохладный джаз (cool jazz) и фьюжн (fusion). Около 50 лет работы Дейвиса определили звучание джаза для трёх поколений слушателей. Записи Дейвиса позволяют проследить развитие современного джаза от бибопа конца сороковых до современных экспериментальных направлений. В отличие от многих других джазменов, Дейвис никогда не был ограничен каким-то одним джазовым стилем. Отмечая широту интересов и многогранность его таланта, Дюк Эллингтон сравнивал Дейвиса с Пикассо.
Биография
Начал играть на трубе в 13 лет. Намеревался стать академическим исполнителем, однако довольно быстро добился признания как джазмен, выступая с ансамблями Сонни Стита и Кларка Терри. В 1945, учась в Джульярдской музыкальной школе в Нью-Йорке, посещал джем-сейшнз на 52-й улице. В ноябре этого же года вошел в квинтет Чарли Паркера, записав "Now's The Time и Billie's Bounce". Не обладая виртуозной техникой, Майлс Дейвис постепенно вырабатывал собственное звучание — длинные ноты без вибрато, частое использование сурдины, короткие фразы и многозначительные паузы. По мнению критика Андре Одэра: «Дейвис придал музыке Паркера интимный характер».
В конце 1945 года уехал в Сент-Луис, чтобы присоединиться к оркестру Бенни Картера, но работа в биг-бэнде ему не понравилась и поэтому он через несколько месяцев вернулся в Нью-Йорк и вновь играл с Паркером. В 1946 заменил Диззи Гиллеспи в оркестре Билли Экстайна, в то же время выступал с Сонни Ститом и Джином Аммонсом. В 1948 судьба опять свела его с Паркером, кроме того его партнерами стали Сонни Роллинз, Джон Льюис и Макс Роуч. В 1948 собрал нонет, который вошел в историю джаза как CAPITOL BAND — первый ансамбль так называемого «прохладного джаза». Состав нонета был для того времени достаточно оригинален — труба, тромбон, валторна, туба, альт- и баритон-саксофон, фортепиано, контрабас, ударные. Термин «кул» впервые появился на пластинке Дейвиса The Birth Of The Cool (1949), на которой были записаны композиции и аранжировки Джерри Маллигена, Джона Льюиса, Джила Эванса и Джона Каризи.
К сожалению, карьера Дейвиса была неровной, в 1950-е гг. он увлекся наркотиками и после записей 1950-51 гг. с составом METRONOME ALL STARS не появлялся на сцене 4 года. Только в 1955 он собрал ансамбль, в который вошли Джон Колтрейн, Рэд Гарленд, Пол Чемберс, Фили Джо Джонс (иногда присоединялся Кэннонбол Эддерли). Во второй половине 1950-х гг. Дейвис становится признанным лидером современного джаза и начинает экспериментировать в области формы и гармонии, заменяя традиционные аккордовые последовательности остинатными басовыми формулами (альбомы Milestones, 1958, Kind Of Blue,1959). В то же время он записывает (на трубе и флюгельгорне) с оркестром Гила Эванса сюиты, которые можно отнести к «третьему течению» — Miles Ahead (1957), Porgy And Bess (1958), Sketches Of Spain (1959). В 1960-е гг. Дейвис собрал новый квинтет, в который пригласил молодых виртуозов — Уэйна Шортера, Херби Хэнкока, Рона Картера, Тони Уильямса, триумфально гастролировал в Европе и выпустил альбомы, которые считаются вершиной развития акустического джаза — Davis In Europe (1963), Seven Steps To Heaven (1963), My Funny Valentine (1965), E.S.P.(1965), Miles Smiles (1967) и другие.
Новый виток популярности возник в конце 1960-х гг., когда Дейвис обратил внимание на электроинструменты, на энергетику рок-музыки, отказался от использования тем, напоминающих джазовые стандарты, разработал новый тип аранжировки (продолжительные композиции цементировались короткими риффами) и пригласил в свою группу молодых исполнителей — Джо Завинула, Джона МакЛафлина, Чика Кориа, Дэйва Холленда, Ленни Уайта, Билли Кобэма, Стива Гроссмана, Аирто Морейру. С ними он записал ряд джаз-роковых альбомов — Filles De Kilimanjaro (1968), In A Silent Way (1969) и Bitches Brew (1970). В 1970-е гг. Дейвис утвердил на сцене новый тип джазового шоу, после чего стал частым гостем американских и европейских джаз- и рок-фестивалей. Однако здоровье Дейвиса ухудшалось. Смерть близких ему музыкантов, воспаление легких, автокатастрофа и повреждение коленного сустава, наркотики и неприятности с полицией — все это привело к сильной депрессии, и после 1975 он не появлялся на сцене 6 лет. О выздоровлении и возвращении возвестил альбом The Man With A Horn (1981). В оркестре вновь появились новые имена (он всегда умел открывать таланты) — Джон Скофилд, Кенни Гаррет, Майк Стерн, Эл Фостер, Маркус Миллер, Боб Берг и другие. Новый стиль, который можно охарактеризовать как фанк-рок-джаз, был представлен альбомом Tutu (1986). Майк Зверин назвал его «звуковой дорожкой десятилетия». Дейвис продолжал гастролировать вплоть до своей кончины в 1991. Самые популярные темы Дейвиса — Tutu, All Blues, Tune Up, Bitches brew, Seven Steps To Heaven, Solar, Milestones, So What.
В 2002 году одна из работ Майлса Дейвиса, альбом In a Silent Way была включена в рейтинг The 25 Most Influential Ambient Albums Of All Time (25 главных эмбиент альбомов всех времён).
С 1981 по 1988 год был женат на американской актрисе Сисели Тайсон, внуки которой разработали проект детская мебель в Москве.
Среди его главных достижений:
создание оригинального стиля игры на трубе, который впервые проявился в записях, сделанных Дейвисом с Чарли Паркером в середине 1940-х годов и который оказал влияние на огромное количество трубачей, играющих в стиле бибоп и кул (прохладный джаз);
Майлс Дейвис стоял у истоков таких направлений в джазе, как фьюжн и джаз-рок;
запись основополагающих альбомов для т. н. прохладного джаза — «Birth of the Cool» (1949), модального джаза — «Kind of Blue» (1959), стиля джаз-фьюжн — «In a Silent Way» и «Bitches Brew» (оба записаны в 1969 году).
- Информация о материале
Чарли (Чарльз) Паркер (англ. Charles (Charlie) "Bird" Parker, Jr., 29 августа 1920 — 12 марта 1955) — американский джазовый саксофонист и композитор. В начале карьеры, в оркестре Джея Макшенна, у него было прозвище Yardbird, которое затем сократилось до Bird (в переводе с англ. Птица). Этот прозвище часто использовалось в названии его произведений, например «Yardbird Suite» и «Bird Feathers». В честь него назван нью-йоркский клуб «Birdland», а также произведения других композиторов.
- Информация о материале
Эдвард Кеннеди («Дюк») Эллингтон (англ. Edward Kennedy "Duke" Ellington, 29 апреля 1899, Вашингтон — 24 мая 1974, Нью-Йорк) — пианист, аранжировщик, композитор, руководитель оркестра, представитель джазового искусства. Посмертно награждён Пулитцеровской премией.
Биография
Ранние годы
У Дюка Эллингтона, в отличие от многих его чернокожих соотечественников, было вполне счастливое детство.
Его отец Джеймс Эдвард был дворецким и некоторое время служил в Белом доме. Позже работал копировщиком в Военно-морских силах.
Мать была глубоко верующей и хорошо играла на пианино. Поэтому религия и музыка сыграли большую роль в его воспитании.
Мальчика окружали достаток, покой и родительская любовь. Мать давала ему уроки игры на фортепиано. С семи лет Эллингтон занимается с учителем музыки, а, примерно, с 11 лет сочиняет музыку самостоятельно.
Затем приходит увлечение рэгтаймом и танцевальной музыкой. Свою первую композицию, в стиле рэгтайм, «Soda Fountain Rag» Эллингтон написал в 1914 году.
Несмотря на музыкальные успехи, Эллингтон обучается в специализированной школе по прикладным наукам и собирается стать профессиональным художником.
Выигрывает конкурс на лучшую рекламную афишу города Вашингтон. Работает плакатистом.
Однако музыку не забывает, совершенствует технику игры на пианино, изучает теорию гармонии. Удовольствие рисовать и работать с красками проходит. Отказывается от предложенного места работы в институте Пратта по прикладному искусству.
В конце концов, в 1917 году он решает стать профессиональным музыкантом. Проходит неофициальное обучение у известных вашингтонских музыкантов. Руководит местными ансамблями.
2 июля 1918 года женится на Эдне Томпсон.
11 марта 1919 года у Дюка Эллингтона рождается сын Мерсер Эллингтон.
В 1919 году Дюк знакомится с Сонни Гриром, барабанщиком первого эллингтоновского бэнда.
В 1922 году происходит первый выезд в Нью-Йорк Эллингтона, Грира, Хардвика (соседа Дюка) на краткий ангажемент. В Нью-Йорке Эллингтон берет неофициальные уроки у признанных мастеров фортепиано Джеймса П. Джонсона и Уилли Лайона Смита.
На посту бэнд-лидера (1923—1964)
Дюк Эллингтон и его бэнд
В 23 года Эдвард Кеннеди Дюк Эллингтон начинает играть в квинтете «Вашингтонцы» (Washingtonians), руководство над которым он постепенно берет в свои руки. Ансамбль состоял из его друзей — барабанщика Сонни Грира, саксофониста Отто Хардвика, трубача Артура Уэтсола.
От друзей из-за любви к щёгольской одежде Эллингтон получает прозвище 'Duke' (герцог).
Осенью 1923 года ансамбль Эллингтона отправляется в Нью-Йорк, получает ангажемент в клубе «У Бэррона» в Гарлеме, а затем на Тайм Сквер в «Hollywood Club» (позднее его переименовали в «Kentucky Club»).
В 1926 году Эллингтон знакомится с Ирвингом Миллсом, который становится менеджером всех дел Дюка на продолжительный период.
После нескольких сезонов работы в Kentucky Club ансамбль преобразуется в оркестр из десяти человек, и с 4 декабря 1927 года закрепляется в престижном гарлемском клубе "Cotton Club". Появляются известные композиции Дюка «Creole Love Call» и «Black & Tan Fantasy», «The Mooche» и др.
В 1929 году оркестр выступал в ревю Флоренца Зигфельда. Регулярные радиотрансляции из "Cotton Club" программ оркестра делают Эллингтона и его оркестр известными.
В феврале 1931 года оркестр Эллингтон открывает первый концертный тур.
В том же 1931 году инструментальная версия одного из его стандартов «Mood Indigo», опубликованная лейблом Victor, становится очень популярной.
1932 год. Оркестр Эллингтона дает концерт в Колумбийском университете.
Композитор нацеливается на более сложные музыкальные сюжеты. Работает над «Creole Rhapsody». В 1931-33 годах становятся популярными его пьесы «Limehouse Blues» и «It Don’t Mean a Thing (If It Ain’t Got That Swing)» с вокалом Айви Андерсон (Ivie Anderson). За три года до официального начала эпохи свинга Дюк Эллингтон уже, фактически, заложил фундамент нового стиля. Важными вехами на этом пути стали темы 1933 года — «Sophisticated Lady» и «Stormy Weather» (автогры Harold Arlen and Ted Koehler).
Первые композиции оркестра Дюка Эллингтона связаны со «стилем джунглей» (East St.Louis Toodle-oo, Black Beauty, Black And Tan Fantasy, Ducky Wucky, Harlem Speaks), а также со «стилем настроений» (Mood Indigo, Solitude, Sophisticated Lady). В них Эллингтон использует индивидуальные возможности музыкантов: трубачей Чарли Эрвиса, Баббера Майли, Трикки Сэма Нэнтона, альт-саксофониста Джонни Ходжеса, баритон-саксофониста Харри Карни. Мастерство этих исполнителей придает оркестру особый «саунд».
Большой успех приносят гастроли в Европе(1933). Оркестр выступает в лондонском «Палладиуме», происходят встречи Дюка с принцем Уэльским, герцогом Кентским.
Затем выступления в Южной Америке (1933) и тур по Соединенным Штатам (1934). Репертуар в основном составляют композиции Эллингтона.
В тот момент в оркестре играют саксофонисты Джонни Ходжес, Отто Хардвик, Барни Бигард, Харри Карни, трубачи Кути Уильямс, Фрэнк Дженкинс, Артур Уэтсол, тромбонисты Трикки Сэм Нэнтон, Хуан Тизол, Лоренс Браун. Эллингтона называют первым подлинно американским композитором, а его свинговый стандарт «Caravan», написанный в соавторстве с тромбонистом Хуаном Тизолем (Juan Tizol), обходит весь мир.
1938 год знаменателен совместным выступлением с музыкантами филармонического оркестра в нью-йоркском отеле «Сен-Реджис».
В конце 30-х в оркестр приходят новые музыканты — контрабасист Джимми Блентон (Jimmy Blanton) и тенор-саксофонист Бен Уэбстер (Ben Webster). Их влияние на «саунд» Эллингтона было настолько фундаментальным, что их относительно короткий срок пребывания в составе получил среди джазовых фанатов название Blanton-Webster Band. С этим составом Эллингтон совершает второе европейское турне (исключая Англию).
Обновленный «саунд» оркестра зафиксирован в композиции 1941 года «Take the 'A' Train» (автор Билли Стрэйхорн). Среди произведений композитора этого периода важное место занимают инструментальные работы «Diminuendo in Blue» и «Crescendo in Blue».
Мастерство композитора и музыканта получает признание не только у критиков, но и у таких выдающихся академических музыкантов, как Игорь Стравинский и Леопольд Стоковский.
В годы Второй мировой войны Эллингтон создает ряд больших инструментальных пьес. 23 января 1943 года выступает с концертом своих произведений в знаменитом Карнеги-Холле (Carnegie Hall), где проходит премьера «Black, Brown and Beige». Весь сбор средств от концерта идет в помощь Красной Армии.
По окончании войны, несмотря на закат эпохи биг-бэндов, Эллингтон продолжает гастролировать со своей новой концертной программой. Сборы от выступлений, начавшие постепенно падать, он пополняет гонорарами, которые получает как композитор. Это позволяет сохранить оркестр.
Начало 50-х - самый драматичный период в жизни эллингтоновского бэнда. Чувствуя снижение интереса к джазу, из оркестра один за другим уходят «ключевые» музыканты. На несколько лет Дюк Эллингтон уходит в тень.
Однако, уже летом 1956 года происходит триумфальное возвращение на большую сцену на джазовом фестивале в Ньюпорте. Один из кульминационных моментов фестиваля — незабываемое, состоящее из 27-ми квадратов (а по мнению известного продюсера Ирвинга Таунсенда - сто двадцать восемь квадратов!), соло тенор-саксофониста Пола Гонсалвеса (Paul Gonsalves) в обновленной версии «Dimuendo and Crescendo in Blue». Композитор снова попадает в фокус, его фотография украшает обложку журнала «Time», он подписывает новый контракт с Columbia Records. Первый релиз — концерт «Ellington at Newport» — стал самым удачным и продаваемым альбомом в карьере музыканта.
В последующие годы, в соавторстве с Билли Стрэйхорном, Дюк пишет ряд произведений на классические темы. На пластинке «Such Sweet Thunder», шекспировской сюите 1957 года, представлены композиции «Lady Mac», «Madness in Great Ones», посвященная Гамлету, «Half the Fun» об Антонии и Клеопатре. Уникальность записи в том, что солисты оркестра (Кэт Андерсон, Джонни Ходжес, Пол Гонсалвес, Квентин Джексон и другие), как актёры в театре, исполняли ведущие партии и держали на себе целые номера. Вместе со Стрэйхорном написаны вариации на темы из «Щелкунчика» Чайковского и «Пер-Гюнта» Грига.
Дюк Эллингтон снова становится востребованным концертным исполнителем. Маршруты его гастролей расширяются, и осенью 1958 года артист снова объезжает Европу с массированным концертным туром. Дюка представляют королеве Елизавете и принцессе Маргарет на фестивале искусств в Англии.
В 1961и 1962 годах Эллингтон записывается вместе с Луи Армстронгом, Каунтом Бэйси, Коулменом Хокинсом, Джоном Колтрейном и другими выдающимися мастерами джаза.
В 1963 году оркестр Эллингтона совершает новую поездку в Европу и, затем, на Средний и Дальний Восток по просьбе Госдепартамента США.
1964 год. Очередное европейское турне и первый визит оркестра в Японию.
Последние годы (1965—1974)
С середины 60-х композитор 11 раз уходил с церемонии награждения Grammy победителем.
В 1965 году премия достается ему в номинации «лучший большой джазовый ансамбль» за альбом «Ellington '66». Трек «In the Beginning, God» отмечается в 1966 году как лучшая джазовая композиция. Бэнд выступает в Белом доме, на Виргинских островах и снова в Европе. Выступает с Бостонским симфоническим оркестром.
В сентябре начинает серию концертов духовной музыки. Эти концерты артист будет регулярно проводить под сводами Grace Cathedral в Сан-Франциско.
В 1966 и 1967 годах Эллингтон проводит две серии европейских концертов с Эллой Фитцджеральд.
Со своим коллективом отправляется в продолжительный тур по Ближнему и Дальнему Востоку. С этим турне совпало издание пластинки «Far East Suite», которая принесла своему автору победу в номинации «лучший большой джазовый ансамбль».
С такой же формулировкой Эллингтон унес Grammy с церемонии 1968 года за альбом «And His Mother Called Him Bill». Этот альбом композитор посвятил своему коллеге и близкому другу Билли Стрейхорну, который умер в 1967 году.
Прием в Белом доме в 1969 году по случаю 70-тилетия Дюка. Вручение ордена Свободы президентом Ричардом Никсоном. Новое европейское турне. В Париже в честь семидесятилетия Дюка Эллингтона был устроен банкет, на котором его приветствовал Морис Шевалье.
Выступление на джазовом фестивале в Монтерее (1970) с новыми композициями «River», «New Orlean Suite» и «The Afro-Eurasian Eclipse». Посещение Европы, Австралии, Новой Зеландии и Дальнего Востока.
16 апреля 1971 года в нью-йоркском «Линкольн-центре» проходит премьера композиции «Suite For Gutela». Выступление на ньюпортском джаз-фестивале. Посещает с концертами СССР (Москва, Ленинград, Минск, Киев, Ростов), затем Европу и совершает второе турне в Южную Америку и Мексику.
Гастроли в СССР
Дюк Эллингтон встречается с советскими музыкантами
Оркестр, который Эллингтон взял с собой в Советский Союз состоял из шести саксофонов: Рассел Прокоп, Пол Гонзалвес, Гарольд Эшби, Норрис Терни, Гарольд Джизил Майнерв и Гарри Карни. Трубы: Кути Уильямс, Мерсер Эллингтон, Гарольд Мани Джонсон, Эдди Престон и Джонни Коулс. Тромбоны: Мальколм Тейлор, Митчелл Бути Вуд и Чак Коннорс. Басистом был Джо Бенджамин, а за барабанами — Руфус Спиди Джонс, два вокалиста — Нелл Брукшайр и Тони Уоткинс.
Когда самолет с Дюком приземлился в Ленинграде, его встретил большой оркестр, марширующий по летному полю и играющий диксилендовую музыку. Всюду, где бы он ни выступал со своим бэндом, билеты были полностью проданы. Приходилось на сапсан купить билет. На каждом из трех концертов Эллингтона в Киеве было десять тысяч человек и более двенадцати тысяч на каждом его выступлении в Москве. Во время визита в СССР, Эллингтон посетил Большой театр, познакомился с великим Эрмитажем и встретился с выдающимся композитором Арамом Хачатуряном. Эллингтон дирижировал джаз-оркестром московского радио. Газета «Правда» была очень щедрой на похвалы Эллингтону и его оркестру. Музыкальный критик, писавший в газете, был поражен «их бесценным чувством легкости. Они выходили на сцену без каких-либо особых церемоний, просто один за другим, как друзья обычно собираются на джем-сейшн».
Дюку Эллингтону понравился Советский Союз и он позже вспоминал:
«Знаете ли вы, что некоторые из наших концертов продолжались там по четыре часа? Да, и никто не жаловался — ни публика, ни работники сцены, ни даже оркестранты. Русские приходили слушать нашу музыку, а не по какой-либо другой причине. По десять-двенадцать раз они вызывали нас на бис».
1973 год. Третий «Концерт духовной музыки», премьера в Вестминстерском аббатстве, Лондон. Европейское турне. Дюк Эллингтон принимает участие в королевском концерте в «Палладиуме». Визит в Замбию и Эфиопию. Награждение «Императорской звездой» в Эфиопии и орденом Почётного легиона во Франции.
Дюк Эллингтон публикует автобиографию «Музыка — моя возлюбленная».
Смерть
До последних месяцев жизни Дюк Эллингтон много ездил и концертировал. Его удивительные выступления, наполненные вдохновенными импровизациями, привлекали не только многочисленных слушателей, но и получали высокую оценку профессионалов.
Изданный по материалам концертов в Новом Орлеане диск «New Orleans Suite» опять заслуживает премию Grammy в номинации «лучший большой джазовый ансамбль».
Ещё трижды музыкант оказывается вне конкуренции в этой категории (причем дважды посмертно): в 1972 году за пластинку «Toga Brava Suite», в 1976 году — за «Ellington Suites», в 1979-м — за «Duke Ellington At Fargo, 1940 Live».
В 1973 году врачи диагностировали у него рак легких. В начале 1974 года Дюк Эллингтон заболел пневмонией. Через месяц после своего 75-летнего юбилея, рано утром 24 мая 1974 года, Эдвард Кеннеди «Дюк» Эллингтон ушёл из жизни.
Газеты всего мира опубликовали известие о его кончине на первых полосах. Заголовок некролога в «Нью-Йорк таймс» гласил:
«Дюк Эллингтон, магистр музыки, крупнейший композитор Америки скончался в возрасте семидесяти пяти лет».
Президент Никсон выступил с заявлением, в котором говорилось:
«Тонкость, глубина, изящество и вкус, вложенные Эллингтоном в его музыку, сделали его в глазах миллионов людей у нас и за рубежом виднейшим композитором Америки. Память о нем будет жить в грядущих поколениях, в музыке, которую он подарил своему народу».
В редакционной статье воскресного выпуска газеты «Таймс» говорилось:
«В лице Дюка Эллингтона американский джаз завоевал заслуженное уважение и признание».
Похороны, состоявшиеся 27 мая на Вудлонском кладбище в Бронксе (Нью-Йорк), широко освещались.
Признание и награды
Золотая президентская медаль от Линдона Джонсона (1966)
Удостоен почётной степени доктора Йельского университета (1967)
Орден Свободы (1969)
Императорская звезда (Эфиопия, 1973)
Орден Почётного легиона (Франция, 1973)
Пулитцеровская премия (посмертно)
Создан Центр Дюка Эллингтона при лютеранской церкви святого Петра в Нью-Йорке (1976)
Творчество
Творец джаза
Эдвард Кеннеди Дюк Эллингтон
Эллингтон был великим композитором — экспериментатором и новатором в музыке XX века. Он сам однажды сказал в интервью:
«Я чертовски непостоянен. Я никогда не могу остановиться на том, что я сделал, мне всегда хочется попробовать сделать что-то новое.»
Его творческий путь был полон открытий. Он создает то стиль джунглей, то стиль настроения, то обращается к академическим европейским музыкальным формам — сюитам, рапсодиям, балету и опере.
Его оригинальные оркестровые произведения оказали большое эстетическое воздействие на развитие культуры 20-го века.
Каждый значительный джазовый оркестр прямо или косвенно испытал на себе его влияние.
Эллингтон изменил роль контрабаса, тенора и баритон-саксофона в биг-бэнде.
Он впервые начал использовать человеческий голос как инструмент.
Положил начало латиноамериканскому джазу композицией «Caravan».
Как пианист, Дюк Эллингтон всю жизнь модернизировал свой стиль демонстрируя своё искусство «ударного фортепиано» и сохраняя характерные черты страйдового пианиста (влияние Джеймса П.Джонсона, Уилли Лайона Смита и Фэтса Уоллера), но смещаясь к более сложным аккордам и гармониям.
Как аранжировщик, Эллингтон отличался творческим подходом. Многие произведения Эллингтона представляли собой маленькие «концерты», созданные специально для того, чтобы лучше раскрыть индивидуальное дарование того или иного исполнителя-импровизатора. Он писал для музыкантов оркестра, учитывая их индивидуальный стиль и вместе с ними (или с теми, кто приходил им на смену) периодически возвращался к старым произведениям, по сути творя их заново. Дюк никогда не позволял исполнять свои пьесы так же, как они звучали прежде. Ни одна из композиций Эллингтона, записанная на пластинку его оркестром, никогда не рассматривалась им как нечто окончательное и не нуждающееся в дальнейшем усовершенствовании и развитии. Всё, что исполнялось оркестром Эллингтона, выражало его индивидуальность, вбиравшую в себя одновременно индивидуальность каждого из его оркестрантов.
Его наследие огромно. По данным работника издательства «Темпо Мьюзик» М.Роббинса, у Дюка Эллингтона было зарегистрировано около тысячи пьес, большинство из которых составляют золотой фонд джаза. Тридцать восемь крупных произведений, предназначенных для концертного исполнения, духовные концерты, музыка к театральным постановкам и кинофильмам.
Его дискография, по данным американского критика Скотта Янова, на сегодняшний день превышает шесть сотен дисков (623).
По времени звучания в эфире, на телевидении и на дисках в масштабе всей планеты Дюк Эллингтон занимает одно из первых мест.
Его оркестр был настоящей школой джаза.
Кроме того, Эллингтон был образцовый лидер биг-бэнда — авторитетный и деликатный. Поэтому многие музыканты оставались с ним почти всю жизнь. Из «старой гвардии» это — Джонни Ходжес, Харри Карни, Барни Бигард, Джимми Хамильтон, Рассел Прокоуп, Пол Гонзалес, Хуан Тизол, Лоренс Браун, Кути Уильямс, Рэй Нэнс, Квентин Джексон. Некоторое время в оркестре играли такие солисты, как Кларк Тэрри, Кэт Андерсон, саксофонист Уилли Смит, барабанщики Луи Беллсон и Сэм Вудъярд. Во второй половине 60-х годов в оркестр пришли музыканты молодого и среднего поколений — саксофонисты Норрис Терни, Харольд Эшби, трубач Джонни Коулз, контрабасист Джо Бенджамин, барабанщик Руфус Джонс.
Библиография Дюка Эллингтона обширна и разнообразна. При жизни ему были посвящены работы: Питера Гаммонда (1958 г.), Стэнли Дэнса (1971 г.), Барри Уланова (1972 г.) и Дерека Джоэлла (1977 г.). После смерти великого музыканта вышли монументальные книги Джеймса Линкольна Коллиера (1987 г.), Ганса Роланда (1988 г.), Марка Таккера (1991 г.), Клауса Стратмана (1992 г.), Джона Хэссе (1995 г.), Стюарта Николсона (1999 г.). Книга Джеймса Линкольна Коллиера была единственной переведённой на русский язык и выпущенной в 1991 году издательством «Радуга».
«Он был любим во всем мире и всеми слоями общества. Его любили французы и немцы, англичане и ирландцы, арабы и евреи, индусы и пакистанцы, атеисты и католики. Он был одновременно изысканным, простым, весёлым, терпимым, позитивным, ироничным, непосредственным, как ребёнок, и искренним христианином. Он был прирождённым аристократом, который прекрасно знал, как вести себя в обществе. Он был величайщим новатором в своей области и, в то же время, парадоксальным консерватором, он строил новые вещи на основе старого и презирал преходящую моду» - говорил Стэнли Дэнс, биограф Дюка Эллингтона.
«Его невероятно ценным качеством было умение слушать, именно таким путём шел его рост как композитора и бэнд-лидера. Дюк впитывал все звуки вокруг себя, вбирал частицы стилей и мелодий, соединяя их уже для своих собственных целей.» - писал Том Уэйли.
Ещё в 1953 году известный джазовый критик Ральф Глисон заметил в «Сан-Франциско кроникл»:
«Дюк Эллингтон — это величайший талант во всей истории джаза. Я предсказываю, что четверть века спустя его музыку будут изучать в школах, а критики найдут для него подобающее место среди самых великих композиторов нашего столетия».
Сегодня это предсказание сбылось.
Музыка для кино и мюзиклов
Дюк Эллингтон с музыкантами оркестра
Ещё в годы работы в «Cotton Club» Эллингтон вместе со своими музыкантами участвует в бродвейском мюзикле «Show Girl», основанном на музыке Джорджа Гершвина (George Gershwin).
Летом 1930 года в Калифорнии записывает несколько песен для кинокартины «Check and Double Check». Одна из них, «Three Little Words» с вокалом Бинга Кросби (Bing Crosby), становится американским хитом.
В 1934 году пишет звуковое сопровождение к фильму «Murder at the Vanities». Инструментальная версия композиции «Cocktails for Two», прозвучавшей в картине, становится очень известной. Записывает музыку для фильма «Belle of the Nineties» режиссёра Mae West и участвует в саундтреке «Many Happy Returns».
В 1936 году со своим оркестром в Голливуде записывает саундтрек к художественному фильму Marx Brothers «A Day at the Races», а через год — к картине «Hit Parade».
10 июля 1941 года в Лос-Анджелесе проходит премьера мюзикла Дюка Эллингтона «Jump for Joy». Спектакль исполнялся 101 раз. В сокровищницу жанра попал джазовый стандарт «I Got It Bad (And That Ain’t Good)», одна из лучших песен мюзикла.
В 1942 году оркестр Эллингтона снялся в кинофильме «Хижина в облаках» с Линой Хорн.
Затем, чтобы поддержать свой оркестр, Дюк снова берется за крупные музыкальные формы и создает мюзикл «Beggar’s Holiday» для постановки на Бродвее. После премьеры, состоявшейся в декабре 1946 года, было дано 108 представлений.
В 1950 году композитор впервые полностью пишет саундтрек к художественному фильму «The Asphalt Jungle».
Написанный и оркестрированный им саундтрек к фильму 1959 года «Anatomy of a Murder» попал в число номинантов, только что учрежденной премии Grammy. Тогда, Эллингтон уходит с церемонии награждения с тремя наградами — за лучшую инструментальную композицию и лучшую музыкальную композицию года (заглавная мелодия фильма «Anatomy of a Murder») и лучший саундтрек.
1960 год. Написана музыка для фильма «Парижский блюз» и для драмы «Турчанка». Создается тема «Asphalt Jungle» для телевидения.
Следующее сотрудничество Дюка Эллингтона с киноиндустрией — музыка к фильму «Paris Blues» (1961) — принесло ему номинацию на премию Oscar за лучший саундтрек.
В марте 1966 года Эллингтон предпринял ещё одну попытку покорить бродвейскую публику, представив мюзикл «Pousse-Cafe».
В том же 1966 году на экраны кинотеатров вышел фильм «Assault on a Queen» с участием Фрэнка Синатры. Это была предпоследняя картина, в которой прозвучала музыка Эллингтона.
Его последней работой в кино стала музыка к ленте 1969 года «Change of Mind».
- Информация о материале
Уильям Кристофер Хэнди (англ. William Christopher Handy; 16 ноября 1873, Флоренция, Алабама, США — 28 марта 1958, Нью-Йорк, США) — американский композитор, автор песен в стиле блюз (что такое блюз?), трубач, корнетист и аранжировщик. Его роль в истории музыки многими критиками отмечена прозвищем «отец блюза» (англ. Father of the Blues).
Уильям Хэнди родился 16 ноября 1873 года в городе Флоренция, штат Алабама, США в семье потомственного проповедника. В детстве и юности он получил достаточно хорошее образование, окончив общеобразовательную школу и Кентуккийский музыкальный колледж. После колледжа Уильям недолгое время работал учителем, перепробовав множество профессий, пока не занялся музыкальной карьерой. В 1893 году Хэнди организовал скрипичный оркестр «The Lauzetta Quartet», с которым выступал на Всемирной ярмарке в Чикаго. В 1895 году он начал играть в оркестре «Bessemer Brass Band», а через год стал руководителем танцевального оркестра «Mahara’s Minstrels», который гастролировал по южным штатам США и Кубе.
Начиная с 1906 года Уильям Хэнди организовывает концерты в Нью-Йорке, Мемфисе и Чикаго. Тогда же, по мнению самого Хэнди произошло «открытие блюза». Он описал случай, произошедший с ним в 1903 году в штате Миссисипи, в автобиографической книге «Father Of The Blues»:
Меня разбудил звук гитары. Недалеко от меня сидел тощий, одетый в лохмотья негр, и играл, скользя по струнам складным ножом в манере гавайских гитаристов, которые использовали для этого стальной брусок. Это было потрясающе. Сама песня тоже поразила меня: «Goin' Where The Southern Cross The Dog». Певец повторил мелодию три раза, аккомпанируя себе на гитаре в самой удивительной манере, которую я когда-либо слышал…[1].
Хэнди начал записывать блюзовые мелодии и использовать в своих концертах, а в 1912 году выпустил первую блюзовую пластинку и ноты «Memphis Blues». По воле случая, композитор не чувствовал ценности этой песни и продал авторские права на неё за 100 долларов. В 1914 году Уильям Хэнди написал композицию «St. Louis Blues», которая в то время стала очень популярной в Америке. Дальше он пишет такие знаковые для блюза вещи как «Yellow Dog Blues», «Beale Street Blues», «Careless Love» и т. д.
В 1918 году Уильям Хэнди опубликовал несколько антологий блюза и спиричуэлс, а также ряд исследовательских работ. Самая известная его книга, «Blues: An Anthology», вышла в 1926 году.
В 1920-х годах Уильям Хэнди выступает с различными оркестрами и помогает в записи многим известным джазменам: Джелли Ролл Мортону, Генри «Ред» Аллену и др. В это же время у музыканта начались проблемы с глазами, из-за чего он стал меньше выступать на публике и сосредоточился на записях. К 1940-х годам он полностью потерял зрение и закончил свою музыкальную карьеру.
28 марта 1958 года Уильям Кристофер Хэнди скончался в Нью-Йорке.
Увековечение памяти
В 1958 году о жизни культового музыканта был снят фильм «St. Louis Blues», в котором в главной роли снялся негритянский певец и пианист Нат «Кинг» Коул.
В Мемфисе ему установлен памятник, а главная блюзовая награда носит название W. C. Handy Awards.
- Информация о материале
Джимми Нун (англ. Jimmie Noone; 23 апреля 1895, Кат Офф, близ Нового Орлеана — 19 апреля 1944, Лос-Анджелес) — американский джазовый кларнетист и дирижёр.
Первым инструментом Нуна была гитара, играть на кларнете он начал в пятнадцать лет. Уже в 1913—1914 он играл в оркестре Фредди Кеппарда, заменяя Сиднея Беше, а после ухода того занял его место. В 1917 Нун покинул Новый Орлеан и перебрался в Чикаго, где вместе с Креольским оркестром Кеппарда выступал до распада этого коллектива весной 1918. После возвращения на несколько месяцев в Новый Орлеан Нун навсегда покинул этот город осенью 1918 вместе с Кингом Оливером. Вновь прибыв в Чикаго, музыканты попали в оркестр Билла Джонсона, где Нун работал до 1920. В течение следующих шести лет он сотрудничал с Доком Куком и его оркестром «Дримлэнд» (Dreamland). К этому же времени относятся первые записи Нуна.
Осенью 1926 в жизни музыканта начинается наиболее успешный творческий период: в Чикаго ему удаётся создать собственный оркестр «Эйпекс Клаб» (Jimmie Noone’s Apex Club Orchestra), названный в честь основной концертной площадки, на которой он выступал. В разное время членами этого коллектива были известные джазовые музыканты, в том числе пианист Эрл Хайнс. В 1928 году оркестр «Эйпекс Клаб» провёл серию записей, получивших большую известность. На протяжении 1930-х годов (кроме 1931 и 1935, когда он выступал с гастролями в Нью-Йорке) Нун жил в Чикаго, периодически играя с небольшими группами в различных клубах, а в начале 1940-х, увлёкшись идеей возрождения старого новоорлеанского джаза, вместе с тромбонистами Кидом Ори и Джеком Тигарденом, а также ударником Затти Синглтоном начал выступать в Сан-Франциско и Лос-Анджелесе. Незадолго до своей смерти Нун участвовал в концерте всех звёзд в шоу Орсона Уэллса.
Наряду с Сидни Беше и Джонни Доддсом Нун — один из ярких представителей классической новоорлеанской школы джазового исполнения на кларнете. На ранних этапах его творчество было под влиянием современных ему исполнителей, прежде всего, Беше, затем Нун совершенствовал своё мастерство под руководством Франца Шёппа, кларнетиста академического направления, жившего в то время в Чикаго. Благодаря этим занятиям Нун улучшил качество звука и технику исполнения. Классическими считаются записи Нуна, сделанные с оркестром Оливера в 1923 году, в которых он ярко исполняет соло и создаёт особую интонацию «голубых» нот. Позднее исполнительский стиль Нуна претерпел изменения, заметные на записях с «Эйпекс Клаб» (1928): отдав ведущую роль в ансамбле саксофону, он исполняет сложные контрапунктические линии с использованием среднего и нижнего регистров кларнета.
- Информация о материале
Сидней Джозеф Беше (англ. Sidney Joseph Bechet; 14 мая 1897, Новый Орлеан, Луизиана — 14 мая 1959, Париж) — джазовый кларнетист и сопрано-саксофонист, один из пионеров джаза. Выдающийся исполнитель новоорлеанского и чикагского стилей. Оказал большое влияние на музыкантов Севера США и способствовал становлению традиционного джаза в Европе.
Биография
Сидней Беше родился и вырос в небогатой, музыкальной негритянско-креольской семье, проживавшей во французском квартале Нового Орлеана. От своих европейских предков Беше унаследовал светлый цвет кожи. Все его братья (их было четверо) умели играть на каком-либо инструменте. С малых лет проявил склонность к музыке. Под влиянием отца, который был по профессии портным и любил музицировать в домашнем кругу, и старшего брата Леонарда (зубной техник, в Новом Орлеане пользовался известностью как кларнетист и руководитель любительского оркестра) Беше начинает с 6 лет систематически заниматься музыкой, осваивая кларнет. С 8 лет обучается игре на кларнете частным образом у Лоренцо Тио старшего (Lorenzo Tio), Луи Нельсона (Big Louis Nelson) и Джорджа Бэкета (George Baquet), при этом значительную часть времени уделяя самообразованию. Его успехи были столь значительны, что уже в раннем возрасте (1910 год) он играет в крупных городских джазовых ансамблях и даже обучает других игре на кларнете (среди его учеников — Джимми Нун, который был старше его на два года). В те годы Сидней Беше выступает с ансамблем Фредди Кеппарда, играет у Бадди Болдена (вместе с Банком Джонсоном), в известном тогда Olympia Band и в 1911 году в Eagle Band (в одно время с Кингом Оливером, Фредди Кеппардом, Джимми Нуном, Банком Джонсоном, Мэттом Кэри). Затем последовали выступления с составами Джека Кэри («Crescent Band»), Ричарда М.Джонсона и Бадди Пти, с 1913 года — с ансамблем Кинга Оливера. Выезжает на гастроли по Техасу и Калифорнии с ансамблем Кларенса Уильямса и Луиса Уэйда, сотрудничает с Кидом Ори и совершает турне с оркестром Динка Джонсона. В 1916 году Беше покидает Новый Орлеан и отправляется странствовать (привычка, оставшаяся у него на всю жизнь), играя в передвижных шоу и странствующих цирковых труппах на Юге США и Среднем западе.
В 1917 году Беше перебирается в Чикаго, где работает в оркестрах, возглавляемых новоорлеанскими пионерами джаза (среди них Фредди Кеппард, Кинг Оливер, Лоуренс Дюше (Lawrence Duhe)).
В 1919 году попадает в большой эстрадный оркестр Уилла Мэриона Кука Southern Syncopated Orchestra. Оркестр играл в основном популярную музыку с письменными аранжировками и с небольшим количеством импровизационного материала. Беше в этом составе был главным солистом при исполнении блюзов. С этим оркестром он совершил концертную поездку по Европе, где получил одобрительный отзыв о своей игре от знаменитого дирижёра Эрнеста Ансерме. Услышав игру оркестра в Лондоне, швейцарский дирижёр в многократно перепечатанной статье охарактеризовал Беше как «выдающегося кларнетиста-виртуоза» и «гениального артиста».
В Лондоне в одном из магазинов Беше купил сопрановый саксофон, и с этого времени он становится его основным инструментом, хотя он продолжает достаточно часто играть и на кларнете. На сопрано-саксофоне несколько сложнее играть в тон, зато этот инструмент обладает мощным звуком, что позволяло Сиднею Беше доминировать в любом джазовом ансамбле. Покинув Southern Syncopated Orchestra Беше работает в небольшом рэгтайм-бэнде Бенни Пэйтона (Benny Peyton), выступает с этим музыкальным коллективом в Англии и Франции.
В США в 1923 году, Беше сделал свою первую запись совместно с Кларенсом Уильямсом. В течение последующих двух лет периодически появлялся на записях блюзовых певиц вместе с Луи Армстронгом, иногда исполняя соло. Пластинки с записями были выпущены под разными названиями: Clarence William’s Blue Five и Red Onion Jazz Babies. Эти записи стали важной вехой эпохи новоорлеанского джаза и оказали большое влияние на музыкантов того времени. Интересно, что на одной из этих записей Беше играет на сарюзофоне, что явилось единственным известным случаем использования данного инструмента в записи джазовой музыки.
В 1924 году в течение трех месяцев Беше играл в раннем оркестре Дюка Эллингтона, который еще не преодолел переходный период и исполнял чуть приправленную джазом танцевальную музыку. Игру Беше в тот период отличал столь интенсивный свинг, что в те годы в этом компоненте ему не было равных. Поэтому недолгое пребывание Беше в ансамбле Эллингтона было важным для музыкантов, и подтолкнуло весь эллингтоновский состав к исполнению джазовой музыки. Затем Сидней Беше открывает в Гарлеме свой собственный клуб («Club Basha») и собирает собственный оркестр, в который приглашает играть своего ученика — молодого Джонни Ходжеса. Затем вновь гастролирует в Европе с труппой Black Revue, «звездой» которого была негритянская певица и танцовщица Джозефина Бэйкер. Посещает Францию, Бельгию, Германию, Венгрию, Польшу.
В 1926 году Беше концертирует в СССР с ансамблем Фрэнка Уитерса, состоявшим из музыкантов оркестра Луиса Митчелла Jazz Kings (в котором играли: Джон Смит — корнет, Фрэнк Уитерс — тромбон, Фред Коксито — баритон-саксофон, Дэн Париш — фортепиано, Бенни Пейтон — ударные). Ансамбль открывает свои гастроли 22 февраля концертом в кинотеатре «Малая Дмитровка». Затем последовали выступления в Большом зале консерватории, Доме писателей, Театре Комиссаржевской и других залах столицы России. Ему аплодируют А. Луначарский, Р. Глиэр, Н. Малько, К. Станиславский… Кроме Москвы Беше выступает в Харькове, Киеве, Одессе и его успешное турне по стране продолжалось более трех месяцев. Выступления секстета были тепло встречены слушателями и вызвали большой интерес музыкальной общественности.
Потом последовал ангажемент в коммерческом оркестре Нобла Сиссла в Париже (до 1930 года). Однако, находясь во Франции в составе оркестра Нобла Сиссла попадает в неприятную историю (Беше в ответ на оскорбления со стороны некоторых музыкантов оркестра открывает пальбу и ранит выстрелом из пистолета одного из них) и некоторое время находится в тюрьме, правда, его быстро выпускают и высылают обратно в США.
В 1932 году в Нью-Йорке совместно с трубачом Томми Лэдниером создает ансамбль New Orleans Feetwarmers для выступлений в дансинге Savoy Ballroom и для записей пластинок на фирме His Master’s Voice. В первом составе этого ансамбля тогда играли: Тедди Никсон (тромбон), Хэнк Дункан (фортепиано), Уилсон Майерс (контрабас), Моррис Морлэнд (ударные).
К середине 30-х годов, когда углубляется экономический кризис в США, и горячая новоорлеанская музыка уходит в тень (из-за падения интереса к стилю), Сидней Беше был вынужден искать средства к существованию. Для получения заработка ему пришлось открыть портняжную лавку, которая, тем не менее, почти не работала по прямому назначению — там часто собирались музыканты и устраивались джазовые концерты.
В 1938 году Беше записал знаменитую композицию Джорджа Гершвина «Summertime» (на этой записи ему аккомпанировали Мид Лакс Льюис (фортепиано) и Сид Кэтлетт (ударные)), и это исполнение получило широкую известность. Другим хитом, сочинённым Беше в то же время, стала композиция «Petite fleur» («Маленький цветок»). После этого его пригласил на запись нескольких композиций известный французский музыкальный критик и инициатор ривайвл-движения Юг Панасье, а вскоре звукозаписывающая фирма «Bluebird» предложила ему подписать контракт на три года, в течение которых он записал несколько классических джазовых композиций. В дальнейшем были записаны серии прекрасных пластинок с Big Four и с кларнетистом Меззом Меззроу (Mezz Mezzrow) на фирме King Jazz. Начинается возрождение новоорлеанского стиля и Сиднея Беше критики провозглашают одним из величайших мастеров джаза. Он регулярно появляется в Нью-Йорке, где принимает участие в нескольких концертах с Эдди Кондоном в Таун Холле и записывается с другими мастерами джаза.
В 1944 году выходит пластинка с записью шедевра Сиднея Беше — соло на кларнете «Голубой горизонт». Известный исследователь американского джаза Джеймс Линкольн Коллиер писал:
«Это обычный блюз в тональности ми-бемоль-мажор, исполняемый в темпе 70 ударов метронома, то есть медленнее, чем обычно принято в джазе. Беше постоянно варьирует высоту звуков, и прежде всего блюзовых тонов. Его исполнение насыщено большими длительностями, некоторые звуки он растягивает на целый такт… Каждый звук извлекается с восходящим и нисходящим глиссандо… Эта музыка рождает в воображении образ вольно вьющейся лозы. Так, спустя почти двадцать лет после звездного часа новоорлеанского стиля возник его непревзойденный образец».
В 1945 году Беше пытается создать собственный оркестр вместе с трубачом Банком Джонсоном (англ. Bunk Johnson), но это ему не удаётся, так как Джонсон беспробудно пил, и проект срывается. Портняжная лавка окончательно перестала приносить Беше доход и превратилась, по сути, в музыкальную школу. Самым известным среди его учеников стал Боб Уилбер, в дальнейшем он оказывал своему учителю ощутимую материальную поддержку.
Судьба Беше круто изменилась в 1949 году. Его пригласили на джазовый фестиваль в Плейелевском зале Парижа, где он имел огромный успех. После этого он решил окончательно перебраться в Европу. Выступает и записывается на пластинки с оркестром Клода Лютера и Анддрю Ревельотти (Франция), Хэмфри Литлтона (Англия), Dutch Swing College Band (Голландия) и с американскими гастролерами. В последующие годы он получил широчайшую известность по всей Европе, в особенности — во Франции, где был практически национальным героем (его слава была сравнима разве что со славой Мориса Шевалье), в то время как в США его имя уже не было столь широко известным. В последние годы жизни музыкант играл много концертов, делал записи и изредка посещал США. Он умер в 1959 году от рака.
Беше написал книгу воспоминаний «Treat It Gentle» («Отнеситесь к этому серьёзно»), наполненную жизнерадостностью и юмором, кроме того, существует его подробная биография «Волшебник джаза» (The Wizard of Jazz), написанная Джоном Чилтоном и отражающая жизнь Беше практически по неделям. Большое количество записей музыканта сейчас доступно на CD.
В 1960 году на первом европейском джаз-фестивале в Антибе состоялись торжества, посвященные Сиднею Беше. В честь него установлен памятник во французском городе Жуан-ле-Пинс, а в Париже его именем названа улица.
Творчество
Первопроходец джаза
Солирует Сидней Беше
Сидней Беше был одним из пионеров новоорлеанского джаза. Его творчество способствовало выведению этой музыки в годы первой мировой войны за границы Нового Орлеана и обеспечило ей широкую популярность. Являясь одним из лучших джазовых музыкантов послевоенного периода, Беше оказал большое влияние на других музыкантов, и сегодня считается величайшим мастером игры на сопрано-саксофоне и кларнете. Из-за того, что Сидней Беше много времени провел в путешествиях, в том числе в Европе, он не пользовался широкой известностью у публики Соединенных Штатов, хотя мог бы достичь её, если бы больше работал в танцевальной музыке, возглавив какой-нибудь оркестр (как например Эллингтон или Армстронг). Кроме того, у Сиднея Беше был колючий и неуживчивый характер. Он был не чужд звездного самолюбования (даже в период забвения), к тому же Беше не всегда владел своими страстями — его высылали из Франции и Англии за драки, а однажды был вынужден провести почти год в одной из парижских тюрем. Темперамент не позволял Сиднею Беше идти на компромиссы, как это делали другие и что давало возможность добиться большего успеха и популярности. Но именно эта неистовость является одной из важнейших характеристик его игры, которая всегда была очень эмоциональной, от безудержного буйства в Sweetie Dear (1932) до задумчивой печали в Blue Horizon (1944). Сидней Беше достиг такого высокого уровня владения сопрано-саксофоном, что мало кто из музыкантов решался состязаться с ним в мастерстве, и до конца жизни, Беше как сопранист, оставался вне конкуренции.
Как и большинство новоорлеанских первопроходцев джаза, Сидней Беше часто готовил свои музыкальные фигуры заранее и, начав играть, редко менял в них что-либо, но его музыка, тем не менее, была проникнута чувством, наполнена движением и свингом. В быстрых темпах звук его сопрано-саксофона стремительно врывался в оркестровую мелодию, в медленных темпах его игра струилась в восходящих и нисходящих арпеджио во всем диапазоне инструмента. Из-за того, что Беше по натуре был одиночкой (неслучайно Герман Гессе в своем романе «Степной Волк» описал джазового саксофониста креола Пабло с Сиднея Беше), его влияние на джазменов не было прямым, проводниками его идей были Дюк Эллингтон, Джонни Ходжес и кларнетист Бастер Бэйли (выработавший стиль похожий на саксофонный стиль Беше), а также поколение более молодых исполнителей традиционного джаза, в том числе Боб Уилбер и Кенни Давен, причастных к возрождению и распространению новоорлеанского стиля в США и Европе.
Будучи «звездой» первой величины в американском джазе 20-х годов, Сидней Беше в 1924 году был признан лучшим исполнителем на духовых инструментах (отодвинув Армстронга). Благодаря огромной творческой активности, смелым новаторским идеям занимал в 20-е годы ведущее место в авангарде джаза наряду с Джелли Роллом Мортоном, Кингом Оливером, Луи Армстронгом и Дюком Эллингтоном. Однако, несмотря на это, Беше оказался изгоем в США, где в то время цветному джазмену не дано было вырваться за пределы ресторана, дансинга или негритянского ревю. Настоящее понимание своей музыки нашел лишь в Европе.
Беше также занимал особое положение среди инициаторов и лидеров движения возрождения традиционного джаза в 1940-е. В отличие от других ветеранов джаза почти не прекращал музыкальной деятельности и не утратил высокого профессионализма, став для всех эталоном мастерства и аутентичности стиля. Сидней Беше никогда не изменял своим джазовым идеалам даже в периоды работы с коммерческими оркестрами, проявляя высокую требовательность к себе и к окружающим музыкантам.
Дюк Эллингтон, беспредельно любивший Беше, считал его самым уникальным человеком в джазе. Эллингтон говорил:
«Беше-наше начало... Его вещи-сама душа, в них все самое сокровенное. Беше для меня символ джаза... Все, что он играл, было неповторимо. Это великий человек, и никто не мог играть, как он».
Поэт Жан Кокто адресовал Сиднею Беше следующие слова:
«Его музыка не была бездумной болтовней. Она говорила. И речь эта всегда была трогательной и могучей. Она шла от сердца».
Известный российский джазовый критик Алексей Баташев писал в рецензии к пластинке Сиднея Беше:
«Сидней Беше первым ввел в джаз сопрано-саксофон и остался одним из ярчайших мастеров игры на этом инструменте. Его горячее вибрато и мелодическое обаяние узнаются сразу, что бы он не играл — модный боевик в сопровождении роскошного оркестра или добрый старый блюз в своей компании».
Значительное собрание материалов, относящихся к жизни и творчеству Сиднея Беше, сегодня находится в библиотеке Arkansas Arts Center города Литл-Рок.
- Информация о материале
Джонни Доддс (12 апреля 1892, Уэйвленд, штат Миссисипи, США — 8 августа 1940, Чикаго) — американский кларнетист, один из первых сольных джазовых исполнителей на этом инструменте. В раннем возрасте Доддс приехал в Новый Орлеан, где обучался игре на кларнете у Лоренцо Тио. На ранних этапах своей творческой карьеры играл в разных небольших джазовых оркестрах. В 1920 году его пригласил в свой оркестр Джозеф Оливер на место ушедшего Джимми Нуна. Доддс переезжает в Чикаго. После распада оркестра Оливера в 1924 году Доддс периодически участвует в небольших ансамблях, в том числе в знаменитых «Горячей пятёрке» и «Горячей семёрке» Луи Армстронга и «Горячих красных перцах» Джелли Ролла Мортона. Был приглашен молодым Советским государством на Елки москвы. С начала 1930-х годов из-за усилившейся болезни Доддс почти прекратил выступления.
Доддс — один из крупнейших джазовых музыкантов новоорлеанского периода. Его игру отличали высокий профессионализм, виртуозное владение инструментом и мягкое, отчасти блюзовое звучание. Творчество Доддса оказало влияние на последующие поколения джазовых кларнетистов, в частности, на Бенни Гудмена.
Дискография музыканта включает в себя несколько десятков альбомов, записанных во второй половине 1920-х годов.
- Информация о материале
Джордж "Попс" Фостер (George "Pops" Foster)
18 мая 1892 г. - 30 октября 1969 г.
Один из первых влиятельных контрабасистов джаза, Фостер играл в оркестрах Нового Орлеана с 1906 года. Он играл на тубе с группой Фэйта Марбла (Fate Marable) на речном пароходике с 1918 по 1921 год и с оркестром Кида Ори в Калифорнии. Фостер работал в Сент Луисе в середине 20-х годов вместе с Чарли Кризом (Charlie Creath) и Дьюи Джэксоном (Dewy Jackson).
В 1928 году Фостер переехал в Нью-Йорк. Там он играл с Кингом Оливером. Затем примкнул к оркестру Луиса Рассела. Попс оставался с Расселом в период с 1935 по 1940 года до тех пор, пока оркестр не превратился в группу поддержки Луи Армстронга.
После этого Фостер был видной фигурой в возрождении диксилендов. Он выступал с множеством оркестров, включая тех, которыми руководили Мезз Меззоу и Сидней Беше. Он играл с Эрлом Хайнсом в Сан-Франциско с 1956 по 1961 год и затем с 1963 по 1964 год с трио Элмера Сноудена.
Работал с Армстронгом:
5 марта 1929 года
10-13 декабря 1929 года
24 января-1 феврвля 1930 года
3 октября 1935 года
21-22 ноября 1935 года
13-19 декабря 1935 года
18 января 1936 года
28-29 апреля 1936 года
18 мая 1936 года
2-7 июля 1937 года
15 ноября 1937 года
13-18 мая 1938 года
18 января 1939 года
5-25 апреля 1939 года
15 июня 1939 года
18 декабря 1939 года
14 марта 1940 года
1 мая 1940 года
16 ноября 1941 года
- Информация о материале
11 мая 1885 г. - 4 октября 1938 г.
Джо Оливер - одна из наиболее важных фигур раннего джаза. Говоря Hot Jazz, мы представляем его стиль коллективной импровизации, в отличие от импровизации индивидуальной.
Он был наставником и учителем Луи Армстронга. Для Луиса, в свою очередь, он был идолом, образцом для подражания. Луис обращался к нему не иначе как "Папа Джо". Даже первый в жизни собственный корнет Армстронг получил в подарок от Оливера.
В детстве Оливер повредил один глаз. И часто, играя, он садился в кресло или прислонялся к стене и надевал свой котелок набекрень так, чтобы не было видно поврежденный глаз. Джо обладал недюжинным талантом в использовании сурдин, котелков, бутылок и чашек, чтобы изменить звучание своего корнета. Он мог выдать невероятное количество звуков из своей трубы при помощи этого арсенала приспособлений. Говорили, что Баббер Майли (Bubber Miley) вдохновлялся этими звуками.
Оливер начал работать в Новом Орлеане примерно в 1908 году. В различное время он играл в разных оркестрах, таких как "The Olympia", "The Onward Brass Band", "The Original Superior" и "Eagle Band". Он часто работал в оркестре Кида Ори и с 1917 года с подачи Ори стал упоминаться в афишах как "Кинг". В 1919 году он переехал в Чикаго вместе с Ори и играл в "The Original Creole Orchestra" Билла Джонсона (Bill Johnson) в танцзале "Dreamland". Оливер путешествовал вместе с оркестром, но когда он вернулся в Чикаго, то создал свой "King Oliver's Creole Jazz Band" в Линкольн-парке на 31-й улице. В его состав вошли: Луи Армстронг (для этого Кинг вызвал своего протеже из Нового Орлеана), Джонни Доддс (Johnny Dodds) , Хонор Датри (Honore Dutrey), Лил Хардин (Lil Hardin), Бэби Доддс (Baby Dodds) и другие. Композиции, записанные ими в 1923 году, имели огромное значение для развития джаза. Эти записи представили игру Армстронга всему миру. К сожалению, "Creole Jazz Band" постепенно распался в 1924 году. Оливер в том же году сделал пару записей дуэтом с пианистом Джелли Роллом Мортоном (Jelly Roll Morton), а затем, в 1925 году, взял на себя руководство оркестром Дэйва Пейтона, переименовав его в "Dixie Syncopators". В 1927 году Кинг перевез оркестр в Нью-Йорк, где он принял несколько неверных решений, которые имели судьбоносное значение. Он отказался от регулярных выступлений в Cotton Club, что автоматически сделало Дюка Эллингтона (принявшего предложение) бешено популярным. Дело в том, что из этого клуба велись радиопередачи на всю Америку, рекламируя таким образом всех выступавших музыкантов.
Оливер был известный любитель сладкого. Это привело к тому, что начались проблемы с зубами. Игра на корнете сопровождалась сильными болями. Вдобавок ко всему он страдал от болей в спине.
В 1929 году Луис Рассел принял руководство "Dixie Syncopators" и сменил название на "Луис Рассел и его оркестр" (Luis Russell and his Orchestra). Оливер продолжал записываться до 1931 года, но его имя быстро забыли. Он продолжал выступать на юге Америки с различными группами, но деньги вскоре закончились, и он был вынужден осесть в Джорджии. Там он работал уборщиком в местной бильярдной до самой своей смерти в 1938 году.
Скачать музыку можно здесь
Работал с Армстронгом:
5-6 апреля 1923 года
22-29 июня 1923 года
Начало сентября 1923 года
5 октября 1923 года
5-15 октября 1923 года
15-16 октября 1923 года
Армстронг играл его произведения:
7 августа 1936 года
16-17 октября 1923 года
15-16 октября 1923 года
19 декабря 1955 года
3-5 августа 1959 года
29 мая 1925 года
28 июня 1928 года
- Информация о материале
Джонни Сент Сир (Johnny St. Cyr)
17 апреля 1890 г. - 17 июня 1966 г.
Настоящее имя Сент-Сир Джон Александер, St. Cyr John Alexander
Джонни Сент Сир родился в Новом Орлеане. Играл на банджо и гитаре. Он был настоящим пионером джаза. В далеком 1905 году он уже играл в Нью-Йорке со своим собственным ансамблем. Он играл в составе джаз-бэндов Пирона, Супериор, Олимпия и Тукседо, на прогулочном судне с Фэйтом Мараблом и с самим Кингом Оливером, когда тот уехал на север в Чикаго в 1923 году. Сент Сир записывался с Кингом Оливером, Джелли Роллом Мортоном а так же с Луи Армстронгом как ключевая фигура Hot Five и Hot Seven. Он так же выступал в Doc Cook's Dreamland Orchestra. В 1930 году он вернулся в Новый Орлеан где стал работать штукатуром, но продолжал выступать с местными группами. В 1955 году Сент Сир переехав в Лос Анджелес посвящал музыке все свое время. С 1961 года он был наставником молодых людей приехавших из Нового Орлеана в Диснейленд до самой своей смерти в 1966 году.
Работал с Армстронгом:
5 октября 1923 года
5-15 октября 1923 года
15-16 октября 1923 года
11 ноября 1925 года
12 ноября 1925 года
22 февраля 1926 года
26 февраля 1926 года
20 апреля 1926 года
28 мая 1926 года
16-18 июня 1926 года
23 июня 1926 года
16 ноября 1926 года
27 ноября 1926 года
7 мая 1927 года
10-14 мая 1927 года
2-6 сентября 1927 года
9-13 декабря 1927 года
27 июня-5 июля 1928 года
- Информация о материале
21 мая 1904 г. - 15 декабря 1943 г.
Фэтс Уоллер был сыном проповедника. Поэтому первым инструментом, на котором он научился играть, был церковный орган. А первым учителем - его мать.
В 1918 году он выиграл конкурс талантов играя "Carolina Shout" Джеймса Джонсона. Позже он брал уроки фортепиано у самого Джонсона.
Фэтс начал записываться в 1922 году и зарабатывать на жизнь как органист в кинотеатрах и как аккомпаниатор в различных варьете. В 1927 году в соавторстве со своим старым учителем Джеймсом Джонсоном, написал пару мелодий для шоу "Keep Shufflin'". Двумя годами позже он написал партитуру для бродвейского популярнейшего мюзикла "Hot Chocolates" на стихи своего друга Энди Разафа. Самая известная песня Фэтса - "Ain't Misbehavin'" была представлена в этом шоу, и исполнял ее Луи Армстронг.
Крутой поворот в его жизни произошел в 1934 году на вечеринке, которую проводил Джордж Гершвин. Он покорил всех участников вечеринки своим пением и игрой на фортепиано. Исполнительный директор компании "Victor Records", который присутствовал на этой вечеринке, был так восхищен этим выступлением, что пригласил Фэтса записываться на свою студию. Это приглашение действовало до самой смерти Уоллера в 1943 году.
Большинство записей он сделал под именем Fats Waller and his Rhythm. Группа состояла примерно из полдюжины музыкантов, которые работали с ним постоянно, включая Затти Синглтона.
С 1930 года и до начала 40х годов Фэтс был звездой на радио и в ночных клубах, совершал турне по Европе. Неожиданно для всех, он умер в поезде возле Канзас-Сити (Миссури) от пневмонии в 1943 году.
Армстронг играл его произведения:
10 декабря 1924 года
26 октября 1925 года
20 апреля 1926 года
28 мая 1926 года
21 апреля 1927 года
10 мая 1927 года
29 июня 1928 года
19-22 июля 1929 года
23 августа 1929 года
1 февраля 1930 года
11 марта 1932 года
8 декабря 1932 года
24 июня 1938 года
17 апреля 1942 года
март 1947 года
26 апреля-3 мая 1955 года
февраль 1956 года
- Информация о материале
15 апреля 1894 г. - 26 сентября 1937 г.
Бесси Смит была грубой, резкой и вспыльчивой женщиной. Она была, также, и величайшей из исполнительниц классического блюза 20-х годов 20 века. Бесси начала свою карьеру уличным музыкантом в Чаттануге. В 1912 году стала танцовщицей и певицей в передвижном шоу. Гвоздем программы в этом шоу были Па и Ма Рэйни.
У Бесси и Ма завязалась дружба. Ма Рэйни была наставницей Бесси и задействовала ее в своих шоу до 1915 года. Затем Бесси устроилась на работу в сеть увеселительных заведений T.O.B.A. и постепенно создала свою на Юге и вдоль Восточного побережья. В начале 20-х годов 20 века она стала самой популярной исполнительницей блюза в варьете.
В 1923 году, на студии Columbia вместе с пианистом Клэренсом Уильямсом, она впервые записала свои песни. Это были "Gulf Coast Blues" и "Down Hearted Blues". Пластинка разошлась тиражом более чем 750 тысяч копий в тот же год, затмив тем самым, успех другой исполнительницы блюза, своей однофамилицы Мейми Смит (Mamie Smith). В 20-х годах Смит записывалась с такими великими джазовыми музыкантами, как Флетчер Хендерсон (Fletcher Henderson), Джэймс П. Джонсон (James P. Johnson), Колеман Хокинс (Coleman Hawkins), Дон Рэдман (Don Redman) и Луи Армстронг. Ее исполнение "St. Louis Blues" с Армстронгом большинством критиков считается лучшей записью 20-х годов.
Бесси Смит была одной из величайших Афро-Американских звезд 20-х годов, пользовавшейся популярностью и у белых и у черных слушателей. Но в 1931 году классический блюз вышел из моды, а великая депрессия, радио и звуковое кино нанесли удар по звукозаписывающим компаниям и Columbia вычеркнула ее из своих списков. В 1933 году она сделала последнюю запись на Okeh под руководством Джона Хаммонда (John Hammond). Эта сессия была выпущена под названием "Бесси Смит под аккомпанемент Бака и его оркестра" (Bessie Smith accompanied by Buck and his Band).
Несмотря на отсутствие работы в звукозаписывающих компаниях, Бесси Смит продолжала пользоваться популярностью на юге и собирала толпы народа, невзирая на то, что деньги ей были не так необходимы как в 20-х годах. Бэсси называла себя свинговым музыкантом.
Ее жизнь трагически оборвалась в 1937 году в автомобильной аварии. Она ехала со своим любовником Ричардом Морганом (дядей Лайонела Хэмптона) в Миссисипи. Ее автомобиль врезался сзади в медленно движущийся трейлер и перевернулся. У Смит была сломана левая рука и ребра. Она умерла от потери крови по дороге в больницу. Публикация Джона Хаммонда в журнале " Downbeat" произвела большой шум. В ней сообщалось, что Бесси Смит истекла кровью из-за того, что ее сначала привезли в больницу для белых, но там ее не приняли. Это не достоверный факт, но такая версия произошедшего жива по сей день.
Работала с Армстронгом:
14 января 1925 года
26-27 мая 1925 года
- Информация о материале
Альберта Хантер (Alberta Hunter)
1 апреля 1895 г. - 17 октября 1984 г.
Когда Альберте Хантер исполнилось 12 лет, она покинула свой родной Мемфис, и уехала в Чикаго, чтобы стать исполнительницей блюза. Первое время она сильно нуждалась, но постепенно достигла своей цели и стала одной из самых популярных Афро-Американских исполнительниц 20-х годов 20 века. Ее профессиональная карьера началась в 1911 году в одном из клубов Саузсайда, под называнием бордель Дэго Фрэнка, завсегдатаями которого были сутенеры и бандиты. Она оставалась в клубе до 1913 года, пока он не был закрыт из-за произошедшего там убийства. Затем она перешла в маленький ночной клуб. Она смогла сэкономить достаточно денег, чтобы забрать мать к себе в Чикаго и содержать ее до старости.
Альберта короткое время была замужем, но до супружеских обязанностей дело не дошло. Она объясняла это тем, что не хочет заниматься сексом в доме, где живет ее мать. Но реальное объяснение было в том, что Хантер была лесбиянкой. Ее муж вернулся на Юг, и она не видела его больше никогда. Вскоре Альберта встретила Лотти Тэйлор. Она была племянницей знаменитого Афро-Американского исполнителя Берта Уильямса. Альберта и Лотти стали любовниками на многие годы. Альберта стала работать в клубе под названием " Elite Cafe #1", где играл новоорлеанский пианист Тони Джэксон. В отличии от Альберты, Тони не скрывал, что он гей, что было нелегко в те годы. Альберта помогла популяризовать некоторые из песен Джэксона, включая его самую популярную "Pretty Baby", которую он написал для своего бойфренда. В 1915 году она работала в Panama Cafe, которое было веселеньким местом по обслуживанию белых. В тот момент она уже стала звездой в Чикаго. Но Panama так же вскоре было закрыто из-за убийства, и Альберта пошла в соседнюю дверь, в The De Luxe Cafe, а затем через дорогу в Dreamland Cafe, где играл Creole Jazz Band Кинга Оливера. Там она подружилась с пианисткой Оливера Лил Хардин, которая была также родом из Мемфиса. Хантер стала настоящей звездой и ее объявляли как Sweetheart of Dreamland (Любимица Дримлэнда). После своего шоу в Dreamland, она могла сесть на поезд и поехать в другой клуб, где пела еще. Однажды ночью ее пианист был убит прямо на сцене.
Несомненно, гангстеризм в Чикаго вышел из-под контроля. В 1921 году Альберта переехала в Нью-Йорк и начала работать на студии звукозаписи Black Swan с оркестром Флетчера Хендерсона, но в 1922 году перешла в Paramount, где Флетчер Хендерсон продолжал аккомпанировать ей на фортепиано. Хантер написала множество своих песен, а ее песня "Down Hearted Blues" стала первой записью Бесси Смит в 1923 году. В том же году она стала первой Афро-Американской певицей певшей под аккомпанемент белого оркестра, когда Original Memphis Five исполнил ее песни "Tain't Nobody's Biz-ness If I Do", "If You Want To Keep Your Daddy Home" и "Bleeding Hearted Blues".
В 1924 году она пела вместе со знаменитым Кларенсом Уильямсом и Red Onion Jazz Babies в той самой сессии, в которой впервые записывались вместе Луи Армстронг и Сидней Беше. Будучи в Нью-Йорке, Хантер участвовала в музыкальных представлениях. Она заменила Бесси Смит в представлении "How Come?" (1923 год), благодаря которому она стала знаменитой в Нью-Йорк Сити. В 20 годах Альберта Хантер записывалась под несколькими псевдонимами для того, чтобы скрыть от записывающих компаний, с которыми она подписала эксклюзивные договоры, побочные заработки. На Biltmore она была Альбертой Прайм, на Gennett она была Жозефиной Биди (имя ее умершей единокровной сестры). А на Okeh, Victor и Columbia она использовала собственное имя. Это говорит о том, что таланты Альберты не принадлежали ни одной из студий, и о том, что ее жизнь была значительно лучше. Она, также, использовала имя Мэй Аликс. Но была и настоящая Мэй Аликс, которая записывалась с Jimmie Noone's Apex Orchestra. До отъезда в Европу в 1927 году, она записала несколько сессий с Фэтсом Уоллером и органом.
Более чем через год она выступала в Англии и на континенте как участница "Showboat" с Полом Робесоном и в других гастрольных представлениях. Она была хитом в Париже и продолжала выступления в Европе на протяжении 30-х годов, а так же на Среднем Востоке и в России. Во время Второй мировой войны, Альберта была в составе Объединенной службы организации досуга войск и давала представления в Азии, Южных островах Тихого океана и Европы.
После войны она вернулась в Америку ухаживать за больной матерью, используя кислородный концентратор медицинский, но продолжала петь до своего ухода из музыки в 1956 году, после ее смерти. В возрасте 59 лет она записалась на курсы медсестер и следующие 20 лет она работала в одной из больниц Нью-Йорка. В начале 60-х годов она записала несколько альбомов и неожиданно вернулась на сцену в 1977 году в возрасте 82-х лет и продолжала выступать до самой смерти в 1984 году.
Работала с Армстронгом:
16-17 октября 1924 года
6 ноября 1924 года
8 ноября 1924 года
17-22 декабря 1924 года